신안관광, '인피니또뮤지엄' '김환기 생가활용'에 달렸다

감동적인 작품 하나가 쇠락의 길을 걷고있는 지역에 희망이 된 사례는 어렵지 않게 찾아볼 수 있다. 영국 북부 타인위어 주 게이츠헤드 시를 꼽을 수 있다. 한때 탄광·조선도시로 명성을 날렸으나 산업화의 유물만 붙잡고 있다가 몰락의 길을 걸었던 게이츠헤드 시가 과거의 영광을 되찾을 수 있었던것은 안토니 곰리의 조각상 '북방의 천사' 덕이었다. 16억원을 투입한 1만개의 콜라캔을 이용한 재생아트가 가져온 효과는 상상 이상이었다. 연간 1000만명이 넘는 관광객이 다녀가면서 매년 8조원 이상의 관광수입을 올리고 있으며, 20만명 시민 가운데 20%가 실업자였으나 북방의 천사가 지상에 내려오면서 실업률은 4%대로 떨어졌다. '킬러콘텐츠'가 밥이 되는 사례는 이 뿐만이 아니다. 구겐하임미술관으로 '빌바오 효과'라는 말까지 만들어낸 스페인의 빌바오와, 지추미술관·이우환미술관을 세우며 예술의 섬으로 국제적 명성을 얻고있는 일본의 나오시마 섬도 빠지지 않는 단골사례다. 신안군이 야심차게 추진중인 1도1뮤지엄 아트 프로젝트에서는 자은도 둔장해변에 설립예정인 '인피니또 뮤지엄'과 안좌도의 '김환기 생가의 활용'에 기대가 높다. 세계적인 명성을 얻고있는 김환기의 예술혼을 느낄 수 있고, 세계적인 건축가들이 참여하는 이 두 공간은 신안 1도1뮤지엄의 '킬러콘텐츠'가 될 수 있을 것으로 전망되지만, 계획대로 실현되려면 넘어야 할 산이 많다. 국내 문화예술계에서는 "명성있는 작가와 작품이 쇠락하는 지역사회에 미치는 긍정적 효과를 행정에서도 고려해야 한다"며 "많게는 수백억원이 투입되는 대형 프로젝트인만큼 실패의 길을 걷지 않도록, '김환기 선양 사업'과 '인피니또 뮤지엄'에 관한 행정적 뒷받침이 필요하다"는 주장이다. 신안 안좌 출신인 김환기는 한국 추상화의 선구자로 국내외에서 인지도가 높다. 일본에서 유학하고 서울과 뉴욕에서 작품 활동을 해 온 김환기는 고향 안좌를 늘 그리워했던 것으로 알려져있다. 김환기 작품에 나타나는 푸른색은 안좌도 앞바다에서 유래됐다는 분석도 있다. 신안 안좌도 읍동리에 있는 김환기 고택은 현재 국가민속문화재 제251호로 지정돼 있다. 1920년대 말 백두산에서 가져온 목재로 지어진 주택 중 현재는 안채만 남아있다. 안채 옆 화실로 쓰여졌던 공간은 안좌 주민이 거주하고 있다. 신안군은 국내외 미술계에서 높은 인지도를 가지고 있는 김환기를 '신안의 인물'로 기리기 위해 지난 2007년부터 지속적인 노력을 기울여왔던 것으로 알려졌다. '김환기 선양 사업회'를 발족해 서울에 있는 환기재단과 문화예술교류에 관한 협약을 체결하기도 했다. 환기 미술관 관계자들을 초청해 신안군에서 주민들을 위한 강의를 열거나, 국내외 미술인들을 대상으로 '김환기국제미술대전'도 개최했다. 특히 환기재단과 신안군은 뉴욕에 있는 김환기 묘 이전 추진을 비롯해 신안에 70억원 규모의 김환기 미술관 설립을 계획하는 등 '김환기 선양 사업'은 원만하게 진행되는 듯 했다. 하지만 당시 환기재단 이사진들이 교체되면서 신안군과의 관계에 금이가기 시작했다. 신안에서 사용한 김환기 작품 이미지나 명칭에 저작권 등 이의제기가 이어졌고, 결국 추진하려던 '김환기 미술관' 건립도 변경, 축소 등 부침을 겪으며 지지부진하게 됐다. 최근 1도1뮤지엄이 진행되면서 환기재단 측에 관계개선 노력을 기울였으나 이에대한 대답은 듣지 못하고 있는 상태다. 신안군 관계자는 "김환기 명칭이나 작품 이미지 사용에 대한 제한 때문에 김환기 미술관의 콘셉트를 '플로팅 뮤지엄'으로 바꾼 상황"이라며 "김환기를 기리는 일에 있어 환기재단과 고향에서 할 수 있는 역할이 다른만큼, 환기재단과의 관계 개선이 시급하다"고 밝혔다. 자은도 둔장해변을 끼고 2024년 개관 예정인 '인피니또 뮤지엄'의 전망도 밝지만은 않다. 이탈리아어로 '무한'을 뜻하는 '인피니또 뮤지엄' 설계에는 유럽에서 인지도가 높은 한국 출신 박은선 작가가 참여한다. 이탈리아에서 활동 중인 박은선 작가는 2018년 한국인으로서는 최초로, 동양에서는 3번째로 '프라텔리 로셀리'상을 수상한 조각가다. '인피니또 뮤지엄'에는 박은선 작가 외에 세계적인 건축가인 마리오 보타가 참여하기로 해 건축계의 관심이 집중되고 있다. 마리오 보타는 서울 삼성미술관 리움과 강남 교보타워 설계자로 국내에 알려져 있다. 끝없이 펼쳐진 신안의 갯벌과 세계적인 건축가들이 참여하는 뮤지엄의 조화는 국내 뿐 아니라 해외 관광객들의 발길을 끌어모을 수 있을 것으로 기대되지만, 안타깝게도 올 상반기 문체부에서는 '인피니또 뮤지엄' 건립에 대해 사전평가제에서 보류 판정을 내렸다. '특정 작가'에 대한 의존도가 높고, 섬 특성상 접근성이 부족하다는 것이 보류판정의 요지이다. 여기에 2010년부터 진행되고 있는 김환기 미술관 건립에 관해 하루빨리 매듭을 지으라는 내용도 포함됐다. 신안군 관계자는 "접근성과 관련된 문제는 1004대교가 개통돼 해결이 됐고, 특정작가에 관한 의존도는 참여작가와 국내 다른 작가들과의 협업을 통해 풀어갈 수 있을 것 같다"며 "김환기미술관 관련 문제는 신안군에서는 관계개선을 위해 최선을 다 하고 있고, 문체부와도 조율을 통해 풀어가야 할 것 같다"고 밝혔다.

음식 색 강할수록 비타민, 미네랄 함량 높아

색채와 식물 18세기 말 이전의 노란색은 물푸레나무 또는 금작화에서 추출한 염료로 만들었다. 뉴햄프셔 대학교의 식물생리학연구소 연구원인 듄(Dunn, Stuart)은 비렌(Birren)과 함께 토마토의 성장에 대해 연구하였다. "토마토의 줄기 성장(신장)은 스펙트럼(spectrum)의 노란 부분에 의해서 촉진된다." 루츠(Lutz, Frank E.)는 그의 논문인 "꽃과 나비에게 보이지 않은 색(Invisible Colors of Flowers and Butterflies, Neural History, November～December, 1933.)"에서 꽃과 색에 대해 다음과 같이 주장하였다. "노란 꽃은 자외선을 흡수하고, 노란 거미는 이 노란 꽃 속에 숨는다." 일설(一說)에 의하면, 거미가 노란색인 이유는 노란 꽃을 배경으로 하여 곤충들에게 잡히지 않도록 하기 위함이다. 그러나 노란 거미는 자외선을 조금밖에 흡수하지 않으므로, 그 노란 거미가 자외선을 잘 흡수하는 노란 꽃 속에 있으면 자외선을 볼 수 있는 곤충의 눈에는 더 선명하게 보인다. 색채와 음식 미국농무부(USDA) 식품조사부(食品調査部)에 의하면, 광선은 물건을 상하게 하는 촉매작용을 한다. 토양화학국(土壤化學局)의 조사에서는 광선의 파장을 흡수하기 위해 여러 가지 컬러필터(color filter)를 쓴 결과 스펙트럼(spectrum)의 영역에서 방사에너지를 선택할 수 있다는 결론을 내놓았다. 스펙트럼의 자외선은 부패 촉매작용이 가장 적고, 다음으로는 스펙트럼의 보라와 남색 그리고 파란빛이 그 뒤를 잇는다. 그러나 이 조사에서는 파란빛보다 노랑과 주황 그리고 빨간빛의 파장을 사용했을 때 2배의 조사량(照射量)이 필요하다. 이 색들이 더 빨리 부패시켰다. 햇빛과 색채를 몸에 섭취시켜 주는 것이 음식이다. 음식은 색이 강하면 강할수록 몸에 좋으며, 색채를 농축시킬 뿐만 아니라 비타민과 미네랄의 함유량도 높여준다. 노랑은 맛있는 또는 영양분이 있는, 탁한 노랑은 오래된, 어두운 노랑은 맛있는 또는 오래된 느낌을 주는 색이다. 어두운 노랑은 신맛으로 뾰족하고, 코를 찌르는 듯한 냄새를 풍기며, 시원한 맛과 쓴맛의 느낌을 동시에 주는 색이다. 서술적인 의미의 색으로 노랑은 미지근하다.

〈상〉 흩어져있던 문화유산 거대 미술관으로 탄생

국내 지방자치단체 중 가장 많은 섬을 보유하고 있는곳. 신안도다. 자그마치 1025개다. 신안에는 섬의 수 만큼이나 인적, 문화적 자원이 풍부하다. 흑산도에서 정약전이 '자산어보'를 집필했고, 세계적인 예술가 김환기는 안좌도에서 유년시절을 보냈다. 하의도에는 김대중 대통령과 민중화가 홍성담의 탯자리가 있고, 조선후기 화단을 이끌었던 조희룡은 유배지였던 임자도에서 작품활동을 했다. 신안군은 10여년 전부터 흩어져있던 인적·문화적 유산을 한데 모으는 작업을 진행중이다. 1도(島) 1뮤지엄 사업이 그것이다. 군 단위 지자체의 이례적인 공공미술 프로젝트가 최근들어 잇따라 개관하며 전국적인 호응을 얻고있다. 본보에서는 코로나19의 위기상황을 기회로 바꾼 신안 1도 1뮤지엄을 소개하고, 지속적인 흥행을 위한 제언을 두차례에 걸쳐 게재한다. 〈편집자주〉 신안의 1도 1뮤지엄 아트 프로젝트는 20여개의 섬에 24개의 뮤지엄을 개관하겠다는 목표로 추진되고 있다. 새로운 콘텐츠를 선보이기 보다는 그간 신안군에서 추진해왔던 문화관광 콘텐츠들을 재활용 한 것이 특징이다. 산발적으로 흩어져서 주목받지 못했던 인적·문화적 유산들을 '뮤지엄'으로 가공해 아트관광 상품으로 선보였다. 목표였던 미술관 11개, 박물관 12개, 복합문화관광타운 1개 중 11개 사업이 이미 완료됐다. 압해도의 저녁노을미술관과 암태도의 에로스서각박물관, 자은도의 수석미술관·세계조개박물관, 하의도의 천사상미술관, 비금도의 이세돌바둑박물관, 흑산도 박득순미술관 등은 관람객들을 본격 맞이하고 있다. 넉넉지않은 재정 속에서 1400억원의 예산이 투입된만큼 1도1뮤지엄 아트프로젝트를 바라보는 시선엔 다소 불안함이 묻어나기도 했지만 이는 기우에 불과했다. 코로나19라는 악재 속에서 신안군의 야심찬 프로젝트는 소위 '대박'을 터트리고 있다. 신안군을 다녀간 관광객은 올해에만 90만명에 달한다. 기대하지 않았던 뮤지엄의 입장료 수입도 수억원을 기록하며 1도1뮤지엄 아트프로젝트의 또 다른 수입원이 되고있다. 박우량 신안군수는 "코로나19로 인해 국내 관광객들이 신안으로 발길을 돌리고 있는 추세"라며 "관광업계에 악재가 되고있는 코로나19가 신안군에 호재로 작용하고 있다"고 설명했다. 개관된 뮤지엄들은 각자만의 테마를 가지고 있다. 신안군 공립미술관 1호로 지난 5월 미술관 등록을 마친 압해도의 저녁노을미술관은 5000만평의 탁트인 바다와 일몰이 환상이다. 수화 김환기, 우암 박용구, 사진작가 마이클 케냐 등 유명작품 800여점을 소장하고 있는 이곳은 입소문을 타면서 연간 15만명의 관람객이 다녀가고 있다. 지난 8월 자은도 뮤지엄파크 내에 개관한 세계조개박물관은 3000여종의 1만1000여점의 희귀한 어패류의 표본과 생활공예품을 감상할 수 있는 자연사박물관이다. 바로 옆에는 '1004섬 수석미술관'이 자리하고 있는데, 실내에서는 기증받은 국내외 희귀 수석을 감상할 수 있고, 야외에는 정원석, 분재, 야생화로 단장한 수석정원이 탁트인 신안앞바다와 환상적인 조화를 이루고있다. 천사상미술관은 김대중 전 대통령의 민주화운동과 노벨 평화상 수상을 기리고자 최바오로 등 국내외 작가들의 천사 조각상 300여점이 하의도 일대에 설치된 노천미술관이다. 1도1뮤지엄 아트프로젝트와 별개로 전남도와의 공모사업으로 완성된 문화예술공간들이 있는데, 소악도의 '12사도 순례길'이 대표적이다. 국내외 작가 10명이 참여한 '12사도 순례길'은 대기점도·소기점도·소악도·진섬·딴섬의 바닷가·언덕·호수·마을길 등에 12㎞에 걸쳐 세워진 3평 남짓의 자그마한 건축물이다. 지역 주민의 90%이상이 기독교인이라는 특성을 살려 예배당마다 예수 12사도의 이름을 붙였다. 종교를 초월한 많은 관광객들이 사색과 명상을 위해 이곳을 찾고있다. 현재 신안군이 개관한 뮤지엄들이 호응을 얻게되면서 향후 선보이게 될 뮤지엄들에 국내 미술계의 관심이 쏠리고 있다. 자은도의 뮤지엄파크에 유리공예미술관과 현대미술관 등이 들어설 예정이고, 이탈리아에서 활동 중이며 2018년 한국인 최초·동양인 3번째로 '프라텔리 로셀리'상을 받은 조각가 박은선과 세계적 건축가이자 서울 삼성미술관 리움·강남 교보타워 설계로도 잘 알려진 마리오 보타가 참여하는 '인피니또 뮤지엄'도 2024년 개관될 계획이다. 황해교류역사관(압해도), 전통한선박물관(도초도), 조희룡미술관(임자도), 대한민국 정치역사공원(하의도), 동아시아 인권평화미술관·한국춘란박물관(신의도), 장산면 작은미술관(장산도)과 안좌도의 군도형(플로팅)미술관 등이 추진되고 있다. 박우량 신안군수는 "신안은 섬 면적(656㎢)이 서울(605㎢)보다 넓은데도 인구는 4만2000여 명에 불과하다"며 "천혜의 자연환경과 역사·문화 자원을 최대한 활용할 수 있는 1도 1뮤지엄 프로젝트를 통해 세계인이 찾는 문화 거점 공간이 되도록 하겠다"고 포부를 밝혔다.

파랑, 노랑, 연두, 주황은 지능향상에 탁월

색채와 유아, 아동 뮌헨 논리심리학회 이사인 에텔(Ertel, Henner)은 그의 글(1975년 9월 17일 발행된 '타임' 지에 '파랑은 아름답다'라는 글)에서 색채가 학습능력에 미치는 영향을 알아내기 위해 천장이 낮은 방을 각각 다른 색으로 칠했다. 그 결과 파랑, 노랑, 연두, 주황은 인기 있는 색이고, 이와 같은 색으로 칠한 방은 지능이 12포인트 상승했다. 미국 펜실베이니아 대학교 연구에서는 학생들이 베이지색을 몸에 지니고 있으면 자신감이 넘치고 성적도 좋다고 밝혔다. 이 색은 친구가 없는 아이에게 '친구가 되자'는 메시지이며, 이런 아이들에게는 '노란 셔츠나 스웨터'를 권한다. 등교를 거부하는 아이에게 노란 셔츠를 입혔더니 수줍어하는 성격을 극복하고, 씩씩하게 학교에 갔다. 공부 모임이나 새로운 서클에 입회할 때도 노란 옷을 입으면 대화를 효과적으로 발휘할 수 있었다. 초능력자인 알렉스 타나우스(Alex Tanous, 1926년~?) 박사는 그의 저서인 당신 자녀가 심령 상태입니까?(Is Your Child psychic?, 2009.)에서 색의 사용에 대해 설명하였다. 색은 잠재하고 있는 초능력을 끌어내기 위해 중요한 포인트이며, 색을 어떻게 쓰느냐에 따라 지금까지 전혀 다른 사람으로 변신할 가능성도 있다. 그는 12세 남자아이의 예를 들었다. 그 남자아이는 성적도 그다지 좋지 않고, 자폐증 기미가 있는 학생이었다. 그런 그가 어느 날 밤, 어머니가 노란 스웨터를 사주는 꿈을 꾸었다. 이튿날 그 꿈은 실현되었다. 그는 어떤 예지력으로 그것을 감지했는지도 모르지만, 실제로 부모가 노란 스웨터를 새로 사주었다. 노란 스웨터를 입은 후부터 그에게는 많은 친구가 생기고, 성적도 올라가서 딴 사람처럼 되었다. 노랑은 색을 보는 사람에게 쾌활하게 작용하며, 남자아이를 변신시킨 것은 이 색이 가지고 있는 힘이다. 색채와 성인 독일의 심리학자인 카츠(Katz, David)는 그의 저서인 색의 세계(The World of Colour, Kegan Paul, Trench, Trubner Co., London, 1935.)에서 성인이 되면 파장이 긴 색(난색계열)보다 파장이 짧은 색(한색계열)을 훨씬 더 좋아하게 된다고 주장하였다. 성인들이 좋아하는 색의 순서는 파랑, 빨강, 녹색, 보라, 주황, 노랑의 순이다.

노란색 선호하는 유아 의존적 성향보여

색채와 유아, 아동 이마다(Imada, M.)는 아동을 대상으로 색의 배합에 대해 연구했는데, 그는 아름다움에 대한 안목이 충분히 개발되지 않더라도 어떤 색에 대한 선호가 우연히 생겨나지 않는다고 했다. 미국 여성 심리학자들인 알슐러(Alschuler, R. H.)와 해트윅(Hattwick, La Berta Weiss)은 그들이 함께 쓴 저서 그림과 개성(Art and personality : A study of young children, (1 Vols.), Chicago : Univ. of Chicago Press, (Revised, 1969), 1947.)에서 미술 정신요법에 관한 직업과 학문에 대해 연구하였다. 이 요법은 미술표현을 통한 인간의 개성연구에 치중하고 있다. 색채는 그림으로 나타나는 단순한 양상보다도 어린이의 정서적 본질과 특별한 가치를 지니고 있다. 어린이들은 형태보다 색채에 대해 더 민감하고, 순수한 마음으로 색을 즐긴다. 그들은 나이를 먹을수록 감정의 자제와 수양을 쌓아 감에 따라 색 본래의 감정이 다소 상실(줄어 듬)하게 된다. 어린아이들은 빨강, 주황, 분홍, 노랑과 같은 따뜻하고 밝은색에 호감을 갖는다. 이러한 색에 대해 그들의 내적 감정이 해방된다. 색채와 의미 그들은 이 저서(그림과 개성)에서 색채 의미에 대해 연구하였다. 노랑을 좋아하는 어린이는 파랑을 좋아하는 어린이보다 더 의존적인 행동을 많이 한다. 반면 노랑보다 파랑을 더 많이 쓰는 어린이는 자기 억제가 강하다. 노랑을 강조한다든지 그 위에 파랑을 이중으로 칠하는 것은 성장 욕구와 유아의 상태에 머무르는 갈등의 표시이고, 동생이 태어나서 가족에게 자신에 대한 지속적인 애정을 요구하는 마음과 동생에 대한 증오의 표현이다. 노랑은 어린아이가 좋아하는 색이며, 애정을 구하거나 누군가에게 의존하는 경향이 있으며, 자립심이 약한 사람에게서 나타난다. 특히 이 색을 좋아하는 아이들은 자유로운 행동을 하면서 속박을 받는 것을 싫어하며, 튀고 싶어 하는 마음이 강하다. 노랑은 새로움과 흥분, 즐거움과 놀라움을 표현할 때 사용하는 것이 좋고, 색 중에서 가장 많은 빛을 반사하는 색으로 사람들을 긴장하게 만들거나 집중하게 한다. 이 색은 경고 메시지나 눈길을 끌어야 하는 유치원이나 어린이집 버스에 사용되고, 노랑과 검정의 배열은 위험을 상징하며, 노란 종이에 검정으로 글씨를 쓰면 인식하기가 쉽다.

전쟁과 여성의 삶, 비랑고나 이야기

전쟁은 필연적으로 희생을 만들어낸다. 이러한 희생은 특히 사회적 약자에게 더욱 빈번하고 가혹하게 요구된다. 전쟁이 끝난 후에도 이들을 다시금 괴롭히는 것은 자신이 속한 사회에서 받게 되는 부당한 시선들이다. 이를테면 환향녀, 위안부 등의 역사적 사례를 들 수 있는데, 이는 단지 우리만의 이야기는 아니다. 인도아대륙 북서쪽에 자리하고 있는 벵골의 나라 방글라데시에는 '비랑고나(Birangona)' 라고 불리는 여성들의 이야기가 그러하다. 방글라데시는 1971년 파키스탄으로부터 독립하여 건국된 신생국가이다. 독립 전쟁을 치르는 과정에서 서파키스탄(현재의 파키스탄)군과 그 부역자들에게 붙잡힌 동파키스탄(현재의 방글라데시) 여성들은 강간, 고문 등의 심각한 폭력에 노출되었으며, 피해를 입은 여성의 수는 대략 20만 명으로 추정된다. 독립 직후 새롭게 수립된 방글라데시 정부는 이러한 여성들에게 '용감한 여성'이라는 뜻의 '비랑고나'라는 호칭을 부여함으로써 자유를 쟁취하는 과정에서의 여성들의 희생을 기리고 그들에 대한 사회적 차별과 배제를 방지하고자 했다. 그러나 정부의 의도와는 달리 비랑고나의 호칭은 피해 여성들에게 사회적 배려와 존중보다는 '추락한 여성'혹은 '더럽혀진 여성'이라는 뚜렷한 꼬리표로 인식되었다. 심지어 벵골어로 비랑고나(Birangona)는 매춘부를 뜻하는'바랑가나(Barangana)'와 발음이 비슷해, 대중들 사이에서는 이들을 조롱하는 의도로 사용되기도 했다. 또한 비랑고나의 호칭을 부여하는 것은 교육이나 일자리 지원, 공공의료 등의 혜택을 제공하기 위함이기도 했는데 정작 이러한 혜택을 받기 위해서는 사회적 편견과 오명을 무릅쓰고 모두에게 강간 피해 여성으로 인식되어야 하는 아이러니한 전제조건이 요구되었다. 당시 방글라데시 정부는 피해 여성들이 하루 빨리 사회로 복귀할 수 있도록 하는데 힘썼다. 이를 위해 1972년에는 재활 센터를 설립하여 그들의 조기 회복을 돕고, 강간으로 인해 태어난 아이들의 해외 입양을 주선했으며, 피해 여성들의 결혼이나 직업 훈련을 도왔다. 전쟁 성폭력 피해 여성들에 대한 방글라데시 정부의 이와 같은 움직임은 세계 역사상 전례 없는 일이라 할 만큼 빠르고 적극적이었다. 하지만 이러한 정부 방침은 피해 여성들이 마땅히 요구해야할 진상규명과 가해자 처벌보다는 이들의 조속한 사회 복귀에 초점이 맞춰져 있었다. 물론 대부분의 가해자들이 파키스탄 군인들이었기 때문에 처벌과 피해보상을 요구하는 것은 현실적으로 어려운 일이었다. 그러나 부역자들은 달랐다. 파키스탄 군인들에게 협력했던 이들은 현재까지 방글라데시에 남아있으며, 심지어 최근에는 다시금 정치 무대로 돌아가기 위한 시도를 하고 있다. 독립 직후 떠들썩했던 비랑고나에 대한 관심은 시간이 지남에 따라 시들었는데, 1992년 이후 다시 한 번 언론의 헤드라인을 장식하기 시작했다. 몇몇의 좌익 활동가들이 방글라데시 내 부역자들의 전범 재판 회부를 요구하며, 세 명의 비랑고나들을 언론에 내세운 것이다. 대서특필된 기사 속 그녀들의 모습은 사진 아래에 쓰인'저항'이나 '영웅'과 같은 단어들과는 거리가 멀었다. 군중과 카메라에 둘러싸인 채, 함께 모여 쭈그리고 앉아 있는 그녀들은 겁먹은 듯 했고, 곁눈질로 카메라를 바라볼 뿐이었다. 이렇게 찍힌 사진들은 그간 막연히 단어로만 인식되어온 20만 명의 비랑고나들에게 선명한 시각적 이미지를 부여했다. 그들은 누군가의 딸이자 아내였고, 엄마이기도 했다. 이후 한 비랑고나는 이렇게 말했다. "너무나 많은 사람들 앞에서 저는 강한 수치심을 느꼈습니다. 마치 발밑의 땅이 갈라지는 듯 했어요.", "그들은 우리를 트럭에 올라타도록 했어요. 그리고 우리의 사진을 찍어대는 (백인들을 포함한) 수많은 사람들 앞에서 이야기 할 것을 요구했어요."여성은 화난 목소리로 되물었다. "우리가 어디로, 왜 가는지 말해주었어야 하지 않나요?" 몇몇 인권운동가들은 피해 여성들 모두를 '강간으로 인해 트라우마와 물리적 고통을 겪으며, 가족들로부터 내쳐진, 그러나 끝까지 싸우는 여성 전쟁 영웅'으로 묘사한다. 거대한 전쟁 담론은 피해 여성들이 살아온 각각의 삶의 모습과 그 안의 사정들을 하나의 거푸집 속에 집어넣고 똑같은 모양으로 해석해낸다. 이것은 의도하든 하지 않았든 피해 여성들 각자의 다양하고 복잡한 경험을 지워내고 단순화하는 시도인 것이다. 성폭력 문제를 다룰 때면 종종 '2차 가해'라는 표현이 사용된다. 피해 사실을 근거로 피해자들에게 모욕이나 배척의 발언과 행동을 가하는 것을 뜻한다. 하지만 2차 가해의 핵심은 이미 힘든 시간을 겪고 있는 피해자들에게 잘못된 관념과 가치관을 들이밂으로써 추가적인 고통을 가중시킨다는 데 있다. 나는 옳다고 믿지만 정작 피해자들은 원치 않는 정의와 목표를 추구한다면, 이 역시 2차 가해가 아니라 할 수 없다. 비랑고나들은 전쟁 중에는 파키스탄군과 부역자들에 의해 고통 받았고, 전쟁 직후에는 선택의 여지없이 강간 피해여성이라는 꼬리표를 달아야했으며, 상처가 아물 때쯤에는 다시 타인의 정의를 실현하기 위한 수단으로 이용되어야 했다. 이 모든 과정 속에 그녀들의 자발적 선택은 부재했고, 매번 힘을 가진 누군가의 요구대로 움직일 수밖에 없었다. 이러한 흐름 속에서 이들 모두가 자신만의 삶을 살아내는 주체적인 존재라는 사실은 쉽게 잊혀졌다. 지난 해 12월, 아시아문화원 민주평화교류센터는 방글라데시 독립전쟁박물관(Liberation War Museum)과의 협력 전시 을 통해 방글라데시 근현대사 속 여성 인권 문제를 다루었다. 전시는 여성의 시각에서 역사를 바라봄으로써 '수동적인 약자'로서의 여성에서 '역사의 주체(agency)'로서의 여성으로 그 관점을 달리 하였다. 새로운 시선으로 바라본 전쟁 속 여성의 모습은 각기 달랐다. 편협한 인식으로 지레 짐작하지 않고 그들의 삶을 있는 그대로 바라볼 때 우리는 비로소 거대한 전쟁 담론에 가려져있던 여성들의 진정한 모습을 발견하게 된다. 시대가 변함에 따라 여성들의 목소리에도 변화가 생겼다. 특히 남성 지배적 이데올로기의 발현으로서 전쟁과 그 속에 피해자로 위치했던 여성들 역시 숨죽이던 세월을 벗어나 조금씩 자신의 이야기를 내뱉게 되었다. 전쟁의 생존자와 그 후손으로서 우리가 해야 할 일은 '나'의 관점에서 그들 대신 싸우는 것이 아니라 피해 당사자가 하고 싶은 말, 그들이 요구하는 메시지가 세상에 더 잘 전달될 수 있도록 굳건히 지지하고 응원하는 것이다.

'노랑' 배합된 색채, 유아들에게 인기

색채와 유아, 아동 사람이 태어난 뒤 처음으로 반응하는 색은 노랑이다. 최초로 눈을 뜨고 빛을 느낄 때 여러 색 중에서 노랑에 특히 민감한 반응을 나타낸다. 노란빛은 인간을 상냥하고, 활달한 기분으로 만들어 주는 작용을 한다. 노랑은 밝고 빛나는 색으로 지능을 상징하는 반면, 아이들의 색으로 느껴져 보호 본능을 일으키는 의존적인 이미지를 나타낸다. 갓난아이는 노랑에 대한 반응이 빠르지만 성장하면서 빨강과 파랑을 좋아하게 된다. 영국 심리학자인 발레타인(Valentine, Charles Wilfred, 1879년~1964년)은 그의 저서인 어린이를 위한 지능 검사(Intelligence Tests for Children, 1848.)에서 생후 3개월 된 아기들에게 여러 가지 색으로 착색된 실타래를 2개씩 동시에 보여주고, 각각의 실타래에 눈길이 머무는 시간을 측정하였다. "아기들은 노랑을 가장 오랫동안 쳐다보았고, 다음 색으로는 하양, 핑크, 빨강의 순서로 나타났다. 아기들은 생후 6개월이 지나면 원색(原色, 빨강, 노랑, 녹색, 파랑, 보라를 말함)을 구별할 수 있다." 프러시아(1701년 브란덴부르크(Brandenburg) 선제후(選帝侯) 프리드리히(Caspar David Friedrich) 3세가 세운 왕국)령(領) 카셀에서 출생한 독일 심리학자인 카츠(Katz, David, 1884년~1953년)는 그의 저서인 색의 세계(The World of Colour, Kegan Paul, Trench, Trubner Co., London, 1935.)에서 유아 3세에서 5세까지 색채표현의 즐거움을 정서적인 경향으로 제시하였다. 어린아이 시절에 좋아하는 색의 순서는 빨강, 파랑, 녹색, 자주, 주황, 노랑이라고 언급하였다. 어린아이들은 빨강, 주황, 분홍, 노랑과 같은 따뜻하고 밝은색에 호감을 가지며, 이러한 색에서 그들의 내적 감정이 해방된다. 스테이플즈(Staples, R. S.)는 어린아이들이 좋아하는 색을 연구했는데, 이 연구는 어린이에게 원판을 보여주고, 시각적 집중력(visual concentration)의 지속시간을 측정하였다. "어린아이들이 선호하는 색의 근거는 일정한 눈의 응시와 손을 뻗어서 잡으려는 노력에 의해서 판단되었다. 그 결과 어린아이들은 부드러운 중간색보다도 선명한 색채인 빨강과 노랑을 잘 식별하였고, 색상의 명도와 채도(농후함)에 끌렸다. 어린아이들은 검정 크레용이 주어질 때 생명이 없는 사물(자동차나 건물을 말함)을 그리고, 여러 가지 크레용이 주어질 때 살아 있는 것(인간이나 동물 그리고 식물을 말함)을 그렸다. 그 결과 어린이들의 배색 기호의 순서는 노랑과 빨강, 파랑과 빨강의 순이다. 아동들에게 여러 가지 크레용을 주고 실험한 결과 노랑이 붉은 보라 또는 파랑과 배합되었을 때 인기를 끌었다. 이것은 서로 대비되는 색이 유사한 색 또는 잘 구분되지 않은 색보다 더 선호한다. 일반적으로 아이들이 연상하는 노랑의 사물은 바나나와 레몬 그리고 태양이다.

중세시대의 노란 깃발, '페스트(pest)' 발생

색채와 중세 16세기 스페인 정복자들은 잉카(Inca)에서 금을 찾아냈었고, 남미에서는 금이 너무 흔하여 금가루로 목욕을 한다는 족장이 있었으며, 그는 엘도라도(El Dorado)로 '금을 뒤집어쓴 사람'이라는 뜻을 가지고 있다. 중세의 보헤미아(Bohemia, 현재는 체코)는 유럽에서 금이 가장 많은 나라였고, 가장 금이 많았던 강은 라인강이다. 중세에는 사람의 기질을 4가지 색으로 구별하였다. "노랑은 화를 잘 내는 다혈질의 색이다." 중세에는 노랑이 멸시받는 자의 색이었다. 특히 유대인은 멸시의 대상이었으며, 12세기부터 노란 모자를 쓰고 다녀야 했다. 마르틴 루터(Martin Luther, 1483년~1546년)는 유태인에 대해 다음과 같이 기록하였다. "노란 고리를 보고 거지와 유대인임을 안다." 1445년 함부르크(Hamburg) 복식 규정에 따르면, 창녀들은 머리에 노란 수건을 썼다. 1506년 라이프치히 법은 창녀들에게 노란 망토를 입을 것을 명했고, 또한 이탈리아 메란(Meran)의 창녀들은 노란 구두끈을 사용했다. 독일의 남부 프라이부르크(Freiburg)에서는 미혼모들에게 노란 모자를 쓰도록 강요했다. 이교도들에게도 처형장에서 노란 십자가를 목에 걸어 주었다. 빚을 진 채무자들은 노란 원을 옷에 달고 다녀야 했다. 그러나 중세기 회화에서 금은 천상의 빛을 상징한다. 1500년까지 성스러운 주제는 늘 금 바탕에 그림을 그렸다. 러시아 성화는 오늘날까지도 금 바탕에 그림을 그린다. 중세문학에서 노랑은 섹슈얼리티(sexuality), 시적으로 표현하자면 '사랑의 결실'이 상징되었다. 오래된 부활절 풍습에 의하면, 처녀가 구혼자에게 부활절 노란 계란을 선물하면 그것은 승낙의 표시였다. 배빗(Babbitt)은 그의 저서인 빛과 색의 원리(Principles of Light and Color, published by the author, East Orange, N. J., 1896.)에서 빅토리아 왕조시대에 대해 설명하고 있다. "빅토리아 왕조시대(1837년~1901년 영국의 전성기를 말함)에는 노란 창유리를 사용하였다. 빛은 바깥세상의 찬란함을 드러내지만, 그중에서도 가장 찬란하다. 빛은 모든 것을 있는 그대로 드러내므로 진리를 말하는 자이며, 폭로하는 자이다. 선박에서 노란 깃발이 휘날리면 전염병이 발생했다는 신호이기 때문에 배를 격리시킨다. 중세시대에는 도시에 노란 깃발을 달아 페스트(pest)가 발생했음을 알렸다. 바로크의 양식은 우연과 자유분방함이 강조되나 최소한의 질서와 논리의 테두리를 벗어나지 않았다. 이 양식은 많은 곡선과 많은 장식성을 강조하며, 많은 금색이 사용되었다." 현재진행 중인 코로나 바이러스19 사태에 대한 정부나 지방자치단체의 공무원들이 노란색 점퍼를 입고 설명하고 있다. 예나 지금이나 노란색은 질병을 의미한다. 우리나라의 꿈해몽에 있어서, 노랑이 나타나는 꿈은 어떤 사람에 대한 미움과 강한 자기주장을 암시한다. 노란빛의 과일이 나타나는 꿈은 단체기관이나 사람과 사람의 인연이 끝나게 됨을 암시한다. 특히 지체 장애인의 몸에서 노란빛이 나타나는 꿈은 사업상 크게 소문날 일이거나 문상갈 일이 생기는 것을 암시한다. 노란색의 동물이 나타나는(본) 꿈은 임기 웅변을 잘하는 것을 암시한다. 문화예술 기획자/ 박현일(철학박사 미학전공)

금색, '가장 귀중한 것' '권력' '재산' 상징

색채와 고대 미의 규범은 각 종족에 따라 달라진다. 어떤 종족의 아름다운 특성이 다른 종족에게는 추한 것으로 간주된다. 유럽인들은 노랑을 건강하지 않기 때문에 아름답지 않은 색으로 생각했다. 그러나 금색은 고대부터 가장 귀중한 것, 권력, 재산의 상징을 의미했다. 고대 그리스인들은 신들이 '금발'이라고 상상했으며, 고대의 남자들도 금발을 좋아했다. 고대 그리스인들은 자연의 4가지 원소인 흙, 공기, 불, 물로 구성되어 있다고 생각했다. 노랑은 불을 상징하고, 계절은 겨울, 방위는 북쪽, 영원을 의미한다. 고대 이집트인들은 민족을 4가지 종류의 색채로 분류하였다. "노랑은 아시아 인종으로 구분하였다." 고대 이집트에서는 노란 상복을 입었으며, 노랑은 그들에게 영원한 빛을 상징했다. 이집트의 프레스코 벽화에는 여자의 피부가 노랗고, 남자의 피부는 빨갛게 표현되어 있다. 고대 그리스에서는 술에 금 조각을 넣어 3일 동안 별빛을 받은 다음 환자에게 마시게 하였다. 왜냐하면, 그들이 '황금 병'이라고 불렀던 황달을 치료하려고 했기 때문이다. 또한 그들은 금 조각을 해독제로 음식물에 뿌리기도 했다. 고대 유럽의 상징학에서 노랑은 이성의 색이었으며, 이성을 나타내는 머리의 색이었다. 과거 제정러시아 때 8가지 이념을 색으로 나누었다. "러시아의 입헌민주주의를 신봉하는 사람들은 노랑으로 분류하였다." 봉건시대 포고 관리들은 문장(紋章)의 상징색을 9가지로 사용하였는데, 노랑이나 금색은 명예와 충성을 상징한다. 고대 중국에서 노랑은 황제의 색 또는 고귀한 색이지만, 한때 우리나라에서는 인색한 사람을 '노랑(랭)이'라고 불렀다. 캐나다 작가인 홀(Hall, Manly P., 1901년~1990년)은 그의 저서인 점성술의 이야기(The Story of ASTROLOGY, 1980.)에서 고대인들의 상징체계에 관해 연구하였다. "고대인들의 점성술('작은 동물의 원'이라는 뜻을 가진 그리스어 조디아코스 쿠크로스(zodiakos Kuklos)에서 파생되어 나온 말)은 인간의 삶과 죽음에 관한 점괘의 비밀을 쥐고 있었고, 황도대는 하늘에 있는 천체들이며, 해와 달 그리고 혹성들이 운행하는 어떤 길이 있다고 가정한 것이다. 황도대는 12개의 성좌를 12궁으로 나타냈는데, 각 궁에는 해마다 한 번씩 태양이 찾아든다. 황도대의 성좌는 각각 그 명칭과 색이 주어져 있다. "사자(獅子)좌는 금색이다." 인도의 복장색채는 무수히 많은 지방의 관습적 지배를 받고 있다. 특히 농민은 주로 검정, 빨강, 파랑, 노랑의 원색을 즐겨 입어 유럽의 집시를 떠올리게 한다. 특히 인도의 국민은 색채에 대해 오래도록 연구하여 학문이나 지식을 많이 쌓았다.

아시아의 문화Ⅱ> 5. 해양 문화 콘텐츠로서의 표해록 전시

표해록(漂海錄)은 뜻하지 않게 정처 없이 '표류(漂流)'하다 돌아온 이가 남긴 기록으로서, 문인, 무사, 군인, 상인, 어부 등 다양한 계층의 사람들의 비공식적 접촉을 통해 이루어진 구체적이고 현장감 넘치는 서사를 볼 수 있다. 15세기부터 19세기까지 한자문화권을 기반으로 한 중국, 일본, 한국, 베트남 등에서 아시아의 주요 표해록이 생산되었는데, 이를 전시에 활용한 콘텐츠 개발은 매우 부족한 실정이다. 더구나 박물관이나 전시관의 교육 프로그램, 해양 문화 콘텐츠로서의 표해록 전시구성이나 활용방안에 대한 실제 사례는 매우 찾아보기 어렵다. 이 글은 2019년 광주와 2020년 부산에서 개최했던 표해록 전시를 소개함을 목표로 한다. 두 전시 모두 아시아 전역에서 나왔던 15-19세기 주요 표해록을 주요 소재로 삼았다. 전자가 한국, 일본, 중국, 베트남에서 이 시기에 출간된 약 20편의 표해록을 소개하였다면, 2020년 전시는 20편의 표해록 중 대표작을 골라 번역한 '아시아의 표해록'과 '조선표류일기'출간을 기념하여 기획되었다. 표해록 전시는 박진감 넘치는 해양체험과 이국의 풍속·제도 등의 견문을 주고받았던 전근대 아시아 해상 문명 네트워크를 복원하는 한편, 표해를 기반으로 한 해양 문화 콘텐츠의 발전 가능성을 다각도로 살피고자 진행됐다. 표해록은 우리나라에서 아직까지는 낯설고 접하기 쉽지 않은 자료다. 더욱이 아시아의 중국, 일본, 베트남에서 표해록이 15세기에서 19세기에 많이 생산되었다는 사실조차 잘 알려지지 않았다. 아시아 전역에서 볼 때, 제주도와 일본이 그나마 섬이라는 환경 덕에 가장 많은 표해록이 나왔고, 이에 대한 연구도 활발한 편이다. 따라서 전시 콘텐츠의 구성방안은 기존의 연구자료와 출간된 전시 도록 및 관련자료 등을 활용했다. 먼저, 표해록에 대한 기본적 개념과 이해를 돕기 위하여 표해록을 대주제로 설정하고, 정의와 범위, 특성, 체제, 내용 등을 분석하였다. 표류민이 떠돌다 한 곳에 표착하면, 대개 지방관리나 군인 등이 나와 공문서나 조서 등을 작성하였는데, 일정한 형식과 체제를 갖춘 지방지, 공술서등이 이에 속한다. 공적 기록과 달리 민간 표해록은 구성이나 편폭이 자유롭고, 서술자의 인간적 면모나 주관적 시선이 담겨 있다. 그 내용에 있어서도 표착한 곳의 환경, 행정과 군사 체계, 민속과 역사, 언어까지 망라하여 '민간 백과사전'이라 해도 손색이 없다. 표류라는 대주제 아래 표류와 관련된 자연, 사회적 영향 요인을 소주제로 제시하였다. 선박제조술과 항해술이 발달하지 않았던 전근대시기. 아시아의 선박들은 바다 한 가운데서 예기치 않게 태풍과 풍랑을 만나 좌초되거나 표류하는 일이 종종 있었다. 배가 표류할 때에는 아시아 해양을 일정하게 흐르는 해류와 계절풍이 가장 큰 영향을 미쳤다. 통계적으로 자연 환경 이외에 표류에 영항을 미친 또 하나의 요소는 아시아 내 표류민 송환 시스템이다. 자국에 도착한 표류민을 구휼 원칙에 입각하여 무상으로 돌려보내는 제도가 아시아 각국에서 17세기 이후 체계화되는데 이는 아시아 해양 네트워크 구성의 핵심적인 요소였다. 또한 표류에 관한 기록과 보고, 해양 지식과 과학의 발달에 따라, 전근대 아시아인의 확장된 해양 인식을 보여주는 아시아의 주요 지도도 중요하다. 17세기에서 18세기에는 서양의 지도 제작법이 아시아에 소개되고, 지도 제작법과 측량법의 발달, 인쇄술의 발달 등으로 인하여 한, 중, 일에서 중요한 지도가 제작됐다. 당시 지도에는 세계 지리와 해양에 대한 인식의 확장과 변화가 고스란히 드러나 있다. 이와 같이 자연적, 사회적 환경과 공간 정보를 이용한 전시콘텐츠의 구성을 통해 아시아 해양 문명 네트워크에 대한 올바른 이해 뿐 아니라, 역사적 발전 과정에 대한 이해에도 큰 도움이 되고자 하였다. 아시아 각국의 주요 표해록 텍스트 분석을 통해 언어, 신앙, 의식주, 의례 등의 소주제를 구성했다. 표해록은 이국의 풍경과 생활상을 담고 있는 한 편의 민속지라 할 수 있다. 외국에 나가는 일이 드물었던 당시, 이웃나라의 음식과 전통 가옥, 언어, 옷과 머리장식, 결혼식과 장례식은 물론 산세와 운하, 으리으리한 관가부터 저잣거리의 장사치까지 호기심의 대상이었고, 표류민들은 이를 상세히 기록하였다. 표해록 텍스트를 실물(의복, 전통가옥, 전통 신앙, 각종 의례관련 유물)과 함께 제시함으로써 입체적으로 전근대 아시아의 풍속을 전시콘텐츠를 구성했다. 이를 통해 관람객이 표해록 텍스트의 내용을 이해하는 한편, 오늘날까지 맥을 잇고 있는 아시아의 문화적 유산을 이해할 수 있도록 도왔다. 마지막으로 표해를 소재로 한 문학, 영상, 드라마, 다큐멘타리 등을 시각적으로 구성하였다. 표해록에는 국적을 불문하고 표류를 하며 느꼈던 극한의 감정이 담겨 있다. 대표적 문구를 레터링으로 시각화하여 제시함으로써 보편적 인류애와 고난 극복 서사로서의 가치를 환기시킬 수 있다. 또한 극적 생환과 구조에 이르는 드라마틱한 줄거리는 'Cast away(2000)'와 같은 영화나 드라마, 공연 등에 마르지 않는 상상력을 제공하고 있음을 영상을 모아 제시한다. 특히 평면 그림인 '범사도(泛槎圖,1858)'를 디지털 동영상으로 제작, 문화 기술(CT)적 요소로 관람객의 흥미를 유발시키고자 했다. 특히 2020년도 부경대학교에서 개최한 전시 일부는 공공기관으로서의 사회적 가치 실현을 적극 실현하고자 하는 목적으로 기획되었다. 가령, 부산점자도서관과의 협업으로 점자 전시 리플렛을 제작, 배포하였고, 부산점자도서관 관장님 이하 직원을 포함, 시각 장애인 세 분을 모셔서 직접 전시에 대해 설명을 하고 체험을 하는 시간을 가졌다. 또한 2부 전시 콘텐츠의 일부를 점자를 활용하여 구성하였고, 이를 직접 읽어보도록 하여 전시를 입체적으로 이해할 수 있도록 노력했다. 동아시아 표해록은 최부(崔溥, 1454〜1504)의 '금남표해록'이나 일본 상인들의 '달단표류기'처럼 왕이나 국가의 명령에 의해 작성된 것도 있지만, 대부분 뜻밖에 접한 아시아의 풍경과 간난신고의 경험을 기록하려 한 아시아인의 자발적 의지에서 비롯되었다. 전근대 아시아의 표해록의 가치는 바로 여기서 찾을 수 있다. 아시아의 표해록을 통하여 서양과의 접촉이 본격화되기 전 실재했던 아시아 문화교류의 한 양상을 복원할 수 있기 때문이다. 아시아의, 아시아를 위한, 아시아에 의한 기록 발굴은 정복의 역사적 경험을 바탕으로 한 서구 중심의 시각에서 탈피하려는 최근의 문화 연구의 흐름에도 부합한다. 또한 표해록이 가진 해양문화 콘텐츠로서의 가능성도 빼 놓을 수 없다. 표해라는 돌발적인 사건과 표류의 발생→바다에서의 위기→표착→이국 생활과 송환→귀국이라는 서사 구조는 당시는 물론 오늘날까지도 사람들의 상상력을 자극하기에 충분하다. 온갖 역경을 뚫고 귀환한 주인공들은 '해양 영웅'으로 소화되기도 한다. 또한 표해록에 담긴 박진감 넘치는 해양체험과 이국의 풍속과 제도 등은 현장감 넘치는 해양 문화 콘텐츠가 되기에 부족함이 없다. 표착한 국가의 산천, 사람, 사회, 제도와 문물 등을 담은 일종의 해양 민속지라 할 수 있다. 광주와 부산, 두 차례에 걸친 전시는 표해록의 해양 문화 콘텐츠로서의 가능성에 주목한 것이다. 내용 분석뿐 아니라 표해를 기반으로 한 각종 콘텐츠를 동시에 소개함으로써, 궁극적으로 표해록이 전근대 아시아 전역에서 동시다발적으로 생산된 기록임을 입증해보였다. 일련의 과정들을 통해 아시아 해양 문명 네트워크의 한 축을 구성하는데 일조했음을 규명하고자 했다.

노랑, '새로움‧흥분‧즐거움‧통학차량‧놀라움‧긴장‧경고'사용

색채와 유아, 아동 1701년 브란덴부르크(Brandenburg) 선제후(選帝侯) 프리드리히(Caspar David Friedrich) 3세가 세운 왕국의 프러시아 령(領)인 카셀에서 출생한 독일 심리학자인 카츠(Katz, David, 1884년~1953년)는 그의 저서인 색의 세계(The World of Colour, Kegan Paul, Trench, Trubner Co., London, 1935.)에서 유아 3세에서 5세까지 색채표현의 즐거움을 정서적인 경향으로 제시하였다. "어린아이 시절에 좋아하는 색의 순서는 빨강, 파랑, 녹색, 자주, 주황, 노랑이라고 언급하였다. 어린아이들은 빨강, 주황, 분홍, 노랑과 같은 따뜻하고 밝은색에 호감을 가진다. 이러한 색에서 그들의 내적 감정이 해방된다." 스테이플즈(Staples, R. S.)는 어린아이들이 좋아하는 색을 연구했는데, 이 연구는 어린이에게 원판을 보여주고, 시각적 집중력(visual concentration)의 지속시간을 측정하였다. "어린아이들이 선호하는 색의 판단 근거는 일정한 눈의 응시와 손을 뻗어서 잡으려는 노력에 의한 것이다. 그 결과 어린아이들은 부드러운 중간색보다도 선명한 색채인 빨강과 노랑을 잘 식별하였고, 색상의 명도와 채도(농후함)에 끌렸다. 어린아이들은 검정 크레용이 주어질 때 생명이 없는 사물(자동차나 건물을 말함)을 그리고, 여러 가지 크레용이 주어질 때 살아 있는 것(인간이나 동물 그리고 식물을 말함)을 그렸다. 그 결과 어린이들의 배색 기호의 순서는 노랑과 빨강, 파랑과 빨강의 순이다." 아동들에게 여러 가지 크레용을 주고 실험한 결과, 노랑이 붉은 보라 또는 파랑과 배합되었을 때 인기를 끌었다. 이것은 서로 대비되는 색이 유사한 색 또는 잘 구분되지 않은 색보다 더 선호한다. 일반적으로 아이들이 연상하는 노랑의 사물은 바나나와 레몬 그리고 태양이다. 이마다(Imada, M.)는 아동을 대상으로 색의 배합에 대해 연구했는데, 아름다움에 대한 안목이 충분히 개발되지 않더라도 어떤 색에 대한 선호는 생겨난다. 어린이의 색채 선호 미국 여성 심리학자들인 알슐러(Alschuler, R. H.)와 해트윅(Hattwick, La Berta Weiss)은 그들이 함께 쓴 저서인 그림과 개성(Art and personality : A study of young children, (1 Vols.), Chicago : Univ. of Chicago Press, (Revised, 1969), 1947.)에서 미술 정신요법에 관한 직업과 학문에 대해 연구하였다. "이것은 미술표현을 통한 인간의 개성연구에 치중하고 있다. 색채는 그림으로 나타나는 단순한 양상보다도 어린이의 정서적 본질과 특별한 가치를 지니고 있다. 어린이들은 형태보다 색채에 대해 더 민감하고, 순수한 즐거움으로 색을 즐긴다. 그들은 나이를 먹을수록 감정의 자제와 수양을 쌓아 감에 따라 본래의 색 호소력이 다소 상실(줄어 듬)된다. 어린아이들은 빨강, 주황, 분홍, 노랑과 같은 따뜻하고 밝은색에 호감을 가진다. 이러한 색에서 그들의 내적 감정이 해방된다." 어린이의 색채 의미 그녀들이 함께 쓴 저서인 그림과 개성(Art and personality : A study of young children, (1 Vols.), Chicago : Univ. of Chicago Press, (Revised, 1969), 1947.)에서 색채의 의미를 연구하였다. "노랑을 좋아하는 어린이는 파랑을 좋아하는 어린이보다 더 의존적인 행동을 많이 한다. 반면 노랑보다 파랑을 더 많이 쓰는 어린이는 자기 억제가 강하다. 노랑을 강조한다든지 그 위에 파랑을 이중으로 칠하는 것은 성장 욕구와 유아의 상태에 머무르는 갈등의 표시이고, 동생이 태어나서 가족에게 자신에 대한 지속적인 애정을 요구하는 마음과 동생에 대한 증오의 표현이다." 노랑은 어린아이가 좋아하는 색이며, 애정을 구하거나 누군가에게 의존하는 경향이 있으며, 자립심이 약한 사람에게서 나타난다. 특히 이 색을 좋아하는 아이들은 자유로운 행동을 하면서 속박을 받는 것을 싫어하며, 튀고 싶어 하는 마음이 강하다. 노랑은 새로움과 흥분, 즐거움과 놀라움을 표현할 때 사용하는 것이 좋고, 색 중에서 가장 많은 빛을 반사하는 색으로 사람들을 긴장하게 만들거나 집중하게 한다. 이 색은 경고 메시지나 눈길을 끌어야 하는 어린이 통학 차량(스쿨버스)에 사용되고, 노랑과 검정의 배열은 위험을 상징하며, 노란 종이에 검정으로 글씨를 쓰면 인식하기가 쉽다. 특히 노란색을 과도하게 사용하면 상대방의 주의력이 산만해지므로 주의해야 한다. 밝고 산뜻한 색상인 노랑은 악센트 색상으로 사용하는 것이 좋다.

삶 이라는 혹독한 전선에 선 당신들에게

프랑스 소설가 로맹 롤랑은 '삶'에 대한 명언을 다수 남겼다. 그에 의하면 산다는 것은 치열한 전투 이며, 경쟁사회 안에서 20대는 끊임없이 싸움을 계속해야 한다. 그에게 삶이란 혹독한 전선에 불과했던 모양이다. 최근들어 그가 남긴 말이 온라인상에서 자주 공유되는 것을 보면 '삶에 대한 정의'에 공감하는 이가 많은 것 같다. 윤석문(34)작가가 짊어진 삶의 무게 역시 무겁다 못해 버겁다. 전업작가라는 불안정한 직업과 현실, 온라인 이라는 또 다른 세계가 주는 잔인함까지. 윤 작가는 동시대를 살아가는 이들에게 애도와 공감, 위로를 보낸다. ●살아남기:버려진 인형에 현대인 애환 담다 "전업작가이지만 현실적으로 작업만 하기는 어려워요. 직업 자체가 불안정하고, 경제적으로도 어려울때가 많죠. 인간 관계는 또 얼마나 힘들어요? 현실적인 관계도 어려운데, SNS상에선 더 험악한 분위기가 연출되죠. 저만의 문제가 아니더라고요. 내가 판단하기에 안정적이고 부족할 것 없어보이는 친구의 고민도 저와 다를게 없었어요. 현대인의 모습이고 고민거리인거죠." 현대인의 어두운 자화상을 사실적으로 표현했다. 작가 자신과 동시대를 살아가는 동료들의 이야기를 담으려는 시도였지만 스스로 만족하진 못했다. 쓰레기장 앞을 우연히 지나가다 헌옷수집함 앞에 버려진 곰돌이 인형을 목격했다. 오래되서 몸통은 실밥이 터져있고 사지는 너덜거리는 모습에 울컥 감정이 올라왔다. "곰돌이 인형은 어린시절 누구나 가지고 놀았던 친근한 존재죠. 우리가 성장할수록 곰돌이 인형은 닳고 망가지죠. 그리고 버려져요. 인간관계도 마찬가지라고 생각해요. 필요에 의해 맺어지고 욕구가 채워지면 관계들은 소원해지고 버려지죠. 관계와 자존감을 회복하기 위해 곰인형으로 작업을 하기 시작했어요." ●작업하기:고립에서 생존을 찾다 윤 작가의 작업에는 네가지 캐릭터가 등장한다. '도리(Dori)' '리타(Lita)' '아무로(Amuro)' '루미(Rumi)'다. 곰 인형의 이미지를 하고 있는 도리는 입이 없다. 인간관계에서 스트레스를 받는 전형적인 캐릭터다. 내향적인 성격에 말주변머리가 없어 소통에도 어려움을 겪는 이들의 모습이자, 작가 자신의 모습이기도 하다. 고양이 '리타'는 생활전선에 뛰어든 이시대 가장들을 대변한다. 일본에서 생겨난 신조어 '프리(free)'와 '아리바이터(Arbeiter)'의 합성어 '프리타'를 줄여서 '리타'가 됐다. 프리타의 삶을 살고있는 이른바 '비정규직'들의 자화상이다. 생존을 위해 어쩔 수 없이 아르바이트 밖에 할 수 없는 청년세대의 현실을 '리타'를 통해 표현했다. 사슴인형인 '아무로'는 SNS상과 현실에서 전혀다른 모습을 한 이중적인 캐릭터로, 토끼 '루미'는 주변 사람들을 이어주고 관계를 회복시키기 위해 부단히 노력하지만 각박한 세상에 지쳐 급 돌변한다. "이들 인형들은 같은 곳에 모이고 관계를 맺으며 혼자가 아닌 듯 살아가지만 공통적으로 '각자의 공간'이라는 '고립'된 장소에 머무르고 있어요. 관계에서 일어나는 폭력, 착취, 수탈로 부터 이탈하기 위해서, 사회적 제도와 시스템과 연결되지 않는 세계가 필요하기에 '고립'을 필요로 하는 것이죠." 기억해야 하는 것이 있단다. 고립된 장소는 결코 삶의 지속을 보장해 주지 않는다라는 것, 우리가 선택해야 할 것은 고립이 아닌 새로운 방식의 언어라는 것이다. 윤 작가의 어둡고 외롭고 슬픈 현대인의 자화상에 희망을 발견하는 이유다. ●살아가기: '건강한 관계'란 과제를 던지다 생존을 위해 노력하는 이들과 관계맺기를 원하는 이들의 목소리를 네 캐릭터를 주인공으로 그림책으로도 풀어볼 계획이다. 각각의 캐릭터가 담고있는 고민들은 일기처럼 윤 작가의 노트에 매일 기록되고 있다. 그림책 제목은 '이글루를 찾아서'이다. 불온전한 신체를 가진 캐릭터들이 온기를 찾아 툰드라를 헤쳐나가는 모습에서 생존의지가 엿보인다. 윤 작가는 소통의 부재, SNS 상에서 발생하는 문제점, 청년취업난 등 생존을 위협하는 문제들이 지뢰처럼 퍼져있지만 희망을 잃지 않아야 한다는 메시지를 던진다. "삶이라는 풍파에 시달리는 네 캐릭터들이 각각의 이상향, 유토피아를 향해 떠나는 이야기에요. 삶 이라는 풍파를 오롯이 맞아야 하는 이들에게 세상은 툰드라와 같죠. 이글루는 툰드라에서 유일하게 온기가 남아있는 공간이죠. 생존을 위해 노력한다는것은 '그럼에도 불구하고' 관계맺기를 한다는 것이고, 타인의 언어를 배우기 위한 과정인거죠. 우리에게 필요한 것은 '고립'이 아닌 '자립'이고 '자립'은 상대방과의 건강한 관계 속에서 배울수가 있습니다."

 친구따라 강남갔다, 팔방미인 작가됐다

연예인 지망생 친구 오디션에 따라갔다가 우연찮게 캐스팅 된 이야기는 톱스타들의 단골 비화다. 정철호(29)작가가 사진작가의 길을 걷게 된 것도 고등학교 2학년 시절 반 1등이었던 친구 때문이었다. "언젠가 1등 친구가 낡은 필름 카메라를 가져와서 사진을 찍어줬어요. 알고보니 사진학과를 가기 위해 사진 학원을 다닌다고 하더라고요. 공부도 잘하는 친구가 사진을 잘 찍기위해 학원까지 따로 다니는 모습이 저에겐 충격과 의문을 안겼어요." 사진의 매력이 무엇일까, 궁금했던 정 작가는 친구따라 사진학원에 등록했다. 딱 한달만 배워보겠다고 했던 것이 1년이 넘었고, 자연스레 사진학과에 진학했다. ●살아남기: 작업의 틀을 깨다 "대학교에 진학해서 지도교수님과 끊임없이 정체성에 대해 이야기를 나누었어요. 예술사진과 보도사진 등 세분화 된 장르 속에서 어떤 길을 가야할 지 고민이 컸어요. 제 작업에는 경계가 없었어요. 보도사진처럼 사회를 고발하는 모습이 있었고, 예술사진처럼 예술성이 돋보이기도 했었거든요. 지도교수님 조차 어떤 길을 걸어야 할 지 모르겠다고 하시더라고요." 예술성을 추구하면서 정 작가 스스로의 이야기를 필름속에 담아보고 싶었다. 사진으로 표현할 수 없는 순간에 대한 아쉬움을 어떻게 채워야 할지 고민했던 것이 영국으로 유학을 결정하게 된 계기다. "영국에 가니 사진작가들이 사진만 하는게 아니라 기획, 큐레이팅, 비평 등 다양한 분야에서 활동하더라고요. 모든 예술 장르가 서로 유기적으로 연결돼 있어서 영감을 주고받는다는 말이 인상적이었어요. 사진을 배우러 온 저에게 영국 교수님은 하고싶은 걸 마음껏 하라고 하셨어요. 하다보면 내가 할 수 있는 것을 알게될 것이고, 할 수 없는 것도 알게 될 것이라고요. 스스로 자리를 찾을 수 있을 것이란 조언이 용기를 주더라고요." 한국에서 세부 장르를 결정하지 못했던 이유에 대한 답을 영국에서 찾을 수 있었다. 지인들은 정 작가를 사진작가라고 불렀지만, 정작 본인은 사진 뿐 아니라 기획, 설치, 큐레이팅, 비평까지 작업 영역을 확장해가고 싶었다고 한다. ●작업하기: 다양성을 접목하다 영국 유학 당시 거주했던 동네 풍경을 담은 사진은 '사진작가 정철호'가 무엇을 추구하는 이 인지를 직설적으로 말해준다. 분리수거통과 일반 쓰레기통 사이의 공간을 담은 프레임은 길가에 버려놓은 '비양심'과 '배려'를 동시에 이야기한다. 아스팔트와 흑색 쓰레기통 사이의 붉고 흰 표지판이 절묘한 예술적 조화를 이룬다. "두 쓰레기통 사이의 공간엔 낙엽, 각종 집기류들이 늘 놓여져 있어요. 재활용이라고 하기 애매한 쓰레기를 이곳에 버리는 거죠. 비양심적인 행동이라고 볼수도 있지만 한편으론 청소부를 배려하는 행위라고도 볼 수 있는거에요. 영국에선 주로 사소하게 이루어지는 사람들의 행동 속에서 무엇인가를 발견하고 의미부여 하는 작업을 주로 해왔어요." 학교에서 사진의 전통성을 배웠다면 학교 밖에서는 사진가의 틀을 깰 수 있는 다양한 장르를 두루 경험할 수 있었다. 영국 사진매거진이나 사진비엔날레 등에 참여하는 작가들의 인터뷰를 진행하면서 글을 쓰는 법을 익혔고, 사진 관련 각종 행사들을 통해 작품 기획을 접할 수 있는 기회를 얻기도 했다. 한 분야에 집중하지 않은 것에 대한 두려움이 없냐는 기자의 질문에 그는 "아니요"라고 단호하게 말한다. "사진작업만 하는 작가들이 있다면 나처럼 사진과 관련해 다양한 분야에서 활동하는 사람도 필요하다고 생각해요. 저의 다양한 활동이 지역 사진 작가들에게 큰 도움이 될 수 있는 날이 언젠가는 올 것이라고 확신해요." ●살아가기: 한국사진 작가, 세계에 세우다 사진작업부터 설치, 전시기획, 작가연구, 비평에 이르기까지 폭넓은 장르에서 활동하고 있는 정 작가가 최근 가장 시간을 많이 투자하는 것은 작가연구다. 전시기획이든 비평이든 작가연구가 기본이 돼야 한다는 판단에서다. "사진 인프라는 한국이 가장 열악해요. 사진을 좋아하고 작업을 하는 인구는 많은데, 이들의 작품을 전문적으로 다루는 사진갤러리와 미술관이 전무한 실정이죠. 다방면에서의 저의 열정이 열악한 국내 상황에 조금이나마 도움이 됐으면 좋겠어요." 해외에 국내 사진작가들이 거의 소개되지 못하고 있는 점도 정 작가가 사진분야에서 팔방미인이 돼야 하는 이유라고도 한다. 세계적으로 유명한 사진 큐레이터의 국적에 따라 그 국적의 사진작가들이 활발하게 해외 미술시장에 소개되고 있는 현실이 안타까웠단다. "일본 사진 큐레이터가 미국을 거쳐 영국에서 활동하는데 일본 사진 작가들만 소개를 하는거에요. 한국엔 그들을 능가하는 작가들이 많은데도, 이들을 소개할 만한 이가 없어서 해외 미술현장에선 한국의 입지가 좁아지고 있죠. 당당하게 국내 작가들을 세계에 소개하고 싶은 목표가 생겼어요. 지금까지가 나의 작업을 위한 시간이었다면 앞으로는 국내 사진작가들을 알리기 위해 나의 역량을 더욱 다지는 시간을 보낼계획입니다."

사념에 잠긴 어른아이가 주는 뭉클한 공감

청춘이기에 감내해야 할 아픔은 결코 만만치 않다. 부단히 스펙을 쌓고 취업관문을 두드리고 사회에 적응하고 있지만, 미래는 여전히 한 치 앞을 내다볼 수 없다. 내가 잘하고 있는지, 이 길이 내 길이 맞는지 알 수 없는 불안에, 청춘들의 오늘은 여전히 버겁다. 자신에 대한 성찰의 기회도, 세상을 탐험할 기회도 앗아가버리는 현실 때문에 자신의 무한한 가능성을 깨닫지 못하는 청춘들은 오늘도 불안과 나태를 오가며 황금 같은 시간을 흘려보내고 있다. 성혜림(33)작가의 작품에는 한 아이가 등장한다. 어딘지 불안한 미성숙한 신체구조와 대조적인 지긋이 눈을감은 사색적인 눈매가 인상적이다. 세상을 응시하는, 쓸쓸함이 가득한 눈빛의 아이에게 필요한 건 온기 가득한 격려다. 사회라는 풍파에 첫 발을 내딛은 청춘들의 자화상이다. ●살아남기: 사회 첫 발 내딛던 순간의 감정, 캐릭터로 "대학 졸업을 앞두고 진로에 대해 많은 고민이 있었어요. 부모님은 전업작가의 길 보다도 직장인이 되길 원하셨어요. 막상 취직을 준비하다 보니 이유모를 두려움이 밀려왔죠. 세상에 나가는것이 무섭고, 여전히 부모님께 의지하고 싶은 마음이 컸습니다." 성 작가만의 지긋이 눈을 감고 사색에 잠긴 아이 캐릭터는 이렇게 탄생했다. 어른이라는 것, 막상 겪어보면 아무것도 아닐 수 있는 그 묵직함이 그렇게 불안하고 두려웠다고 한다. 성 작가의 불안한 심리는 '아이'라는 캐릭터에 고스란이 반영됐다. 대중에게 첫 선을 보였던 때는 대학 졸업작품전에서였다. "졸업작품전에서 평가가 괜찮았어요. 초기작들은 거의 저의 자화상이었어요. 몸은 자랐지만 마음 속에 어린아이가 자리잡고 있는 내 모습을 그린건데, 주변의 청춘들이 모두 공감을 하더라고요. 60대 관람자의 '그림에서 내 모습을 봤다'는 방명록을 보고, '어른으로서의 책임감과 두려움'은 나이와 상관없이 누구나 가지고 있다는 것을 알게됐어요." 졸업 후 부모님의 권유로 시작한 직장생활은 성 작가가 미리 겁냈던 두려움과 맞서게 됐던 시간이었다. 인간관계에 치이고 업무에 치이면서도 쉬 붓을 내려놓지 못했다. 마침 졸업작품 전 이후 전시가 꾸준히 이어졌던 터라 1년여간의 직장생활은 미련없이 정리할 수 있었다. ●작업하기 : 8년간 선보인 캐릭터, 앞으로도 지속 "졸업작품전에서 선보였던 캐릭터가 저의 자화상이었다면, 직장생활을 끝낸 후 작업하기 시작한 캐릭터는 사회로 진입하는 젊은 세대들이에요. 눈을 감거나 반쯤 감은, 무표정 하지만 어딘지 모를 슬픔을 지닌 아이를 통해 사회에 대해 알지 못하고, 아직은 알고싶지 않은 젊은 세대들의 모습을 보여주고 싶었어요. 1년이라는 길지 않은 직장생활이었지만, 막상 직장인이 돼 보니 내 마음같을 그들을 작품에 옮겨야겠구나 생각했죠." '내 마음 다치지 않게' '맞서다' '자꾸 어디론가 숨고싶어' '지친 나를 놓아주어야 할 때' '정답은 없다' '선택회피''혼자이고 싶지 않은 나를 위해' '오늘도 얼마나 많은 이들을 지나쳤는가' '내일의 나에게 묻다' 등 작품 한점 한점의 제목은 고단한 사회생활을 하고 있는 이들에게 위로와 공감의 메시지를 전하고 있다. 8년이상 '어른아이' 캐릭터를 소재로 작업을 진행 중 이지만 작업 소재를 변경할 계획은 없다. 누군가의 외모를 떠올리며 만든 캐릭터는 아니지만 20개월 딸의 외모가 점점 캐릭터와 비슷해져 가는 모습이 신기해 캐릭터에 더욱 애정이 간다. 하지만 그 보다도 성 작가가 캐릭터에 변화를 줄 수 없는 이유는 따로있다. 예전보다 더 바빠진 전시일정을 보면 우리 사회는 위로와 공감이 아직 필요한 곳이라는 판단 때문이다. ●살아가기: 겁많은 아이가 아닌 희망잃지 않는 아이로 작품 재료엔 변화가 필요한 시점인 듯 하다. 그동안 작업했던 유화물감은 성 작가의 캐릭터를 표현하는데 적합했지만 작가 이기 전에 '엄마'라는 점에서 유화물감은 결코 안전한 재료는 아니다. "유화물감 성분이 임산부에게 해로워요. 임신 중에도 작업을 중단할 수 없어서, 비닐옷 입고 고글, 장갑끼고 작업을 했었어요. 딸이 지금 20개월인데, 곧 활동량이 많아지면 작업실에도 자주 드나들테고 유화물감에도 관심을 갖겠지요. 아이가 안전하게 자랄 수 있도록 작업 재료에 다양한 시도를 해 볼 계획입니다." 작품 주제에도 변화가 있을 예정이다. 그동안의 작품이 미성숙한 아이를 안고있는 어른의 모습이었다면 앞으로는 성숙하고 희망을 잃지않는 용기있는 아이의 모습을 선보일 계획이다. 또 캐릭터를 통해 내면을 표현해 왔다면 향후에는 사회가 담고있는 상황을 캔버스 안에 담아 볼 예정이다. "아직 제 작업은 완성된 상태가 아니에요. 어떻게 하면 더 좋은 작품을 선보일 수 있을까 고민하는 단계이죠. 작품의 주제와 재료에 대해 충분한 실험이 이루어져야 하는 시기인만큼 여러 시도를 계획중입니다. 안전한 재료에 대한 실험과 함께 작품 주제 역시 겁이많은 아이로 시작했지만 나이 먹을수록 성숙하고 용기있는 우리의 모습을 그려볼 예정입니다."

작업, 강박에서 벗어나 '나'를 찾아가는 여정

작가로서 유명인의 반열에 오르기 위해선 그만의 독창적인 이미지가 수반돼야 한다. 기하학적으로 축소, 왜곡된 입체적인 이미지의 피카소, 소용돌이 치는 거친 붓터치가 인상적인 고흐, 꼿꼿한 자세의 '걸어가는 사람'을 작업한 자코메티, 국내에선 '물방울 작가' 김창열, '소' 이중섭, '문자추상' 이응노 등이 대표적이다. 작가들의 정체성이 담긴 작품을 감상하다보면 떠오르는 의문 하나. '이 이미지는 작가가 보여주고 싶은 것일까, 아니면 이 이미지로 보여지길 원하는 것일까'. 서영기(38)작가의 작업은 '결코 자연스럽지 않은' 현대미술이 갖는 강박에 대한 반성이다. ●살아남기:현대미술의 강박에서 벗어나기 칠흙같은 밤하늘에 유영하는 별처럼 보이는 해양쓰레기들, 전선과 폐기물로 어지러운 달동네와 쓰레기 사이사이에 쾅쾅 박힌 색색의 알사탕 등 서 작가의 작품엔 모순과 반전이 있다. 캔버스에 드러난 아름다움과 역겨움, 달콤함과 씁쓸함 등 이중적인 감정은 작가의 자화상이라고 고백한다. "작가라고 하기에 저는 평범한 사람입니다. 극단적인것과 갈등을 싫어해요. 그렇다보니 내 마음을 그렇지 않은데, 불편한 감정과 분위기를 견딜 수 없을 것 같아 타인에게 맞춰주는 삶을 살아왔던 것 같아요. '모순과 반전'은 우연한 소재가 아니었어요. 언젠가 '왜 내가 이런 그림을 그리는걸까' 궁금했고, 스스로에게 던진 이 질문이 나를 객관적으로 바라보게 된 계기가 됐던것 같아요." 철저히 이타적인 삶의 방식은 부모로부터 타고난 것이 반이라고 한다면, 미술대학에서 학습된 것이 반이다. 그림 그리는것이 좋아서 시작한 작가생활이었는데 어느순간 자신이 원하는 그림이 아닌, 누군가에게 의미를 남기기 위한 그림을 그리고 있더란다. "내 작품이 누군가를 계몽하거나 방향성을 제시하는걸 그리려고 했던 것이 아니었는데, 작가생활을 하다보니 작품 안에 의미가 있어야 한다는 강박이 생기더라고요. 이야기가 있을만 한것, 의미가 있어 보이는것을 화면안에 마구 넣었죠. 나중에 내 작품을 봤는데 이도저도 아닌게 돼 있더라고요. 슬럼프가 그래서 길었어요. 내면의 소리에 귀 기울이지 않고 보여주기 위한 작품을 했던 것에 대한 반성에서 '모순'과 '반전'을 담은 작품을 그려내기 시작했습니다." ●작업하기: 즉흥적인 감성에 서사 입히기 작품이 솔직해졌다. 그때그때 작가의 감성을 자극하는 주변의 풍경을 진솔함을 담아 화면 안으로 옮기기 시작했다. '경계에 선 자' '상대적 풍경' '어떤 가능성''경계선' 등 그의 최근작이라고 할 수 있는 작품들엔 무심히 지나쳤을법한 주변의 모습들이 담겨져있다. "최근작에 대해 '어떤 사건이 일어나기 직전이나 사건이 일어난 직후의 모습같다'는 평가를 해요. 작품 속엔 특별한 의미는 없는 듯 하지만, 작품들을 어떻게 큐레이팅 하느냐에 따라 다양한 이야기들이 만들어 질 수 있는 구조에요." 단편적인 이미지만을 전달하는 회화엔 시간의 흐름이 없다. 이야기와 이미지의 관계를 고민하는 서 작가에게 '시간성을 갖는 회화'는 일종의 실험이자 새로운 영역에 대한 도전이다. "의식적인 것을 내려놓고 내가 가지고 있는 감각에 충실하고 있어요. '현대미술'이라는 강박에서 벗어나니 세상이 훨씬 흥미로워요. 아름다운 풍경 뿐 아니라 길을 가다 포착되는 장면과 뉴스에서 흘려듣는 주변의 이야기도 저에겐 의미있는 작품 소재가 되고있죠." ●살아가기: 고정관념에서 벗어나기 오는 11월 예정돼 있는 개인전을 기대하고 있다. '시간성을 갖는 회화'라는 실험의 첫 결과이기 때문이다. 단편적인 이미지만 보여주는 회화의 속성 혹은 한계를 극복해 온 과정인만큼 작품이 전시되는 공간 역시 '전시장'이라는 형식을 깨보고 싶기도 하다. "실험적인 전시인만큼 '전시관' 혹은 '갤러리'라는 고정된 틀에서도 한번 벗어나보고 싶어요. 일단 계획은 일반인들의 발길이 드문 비어있는 상가를 생각하고 있는데요, 이 계획이 무산되면 제 작업실에서 개인전을 열어볼까 합니다. 작품이 흰 벽에만 걸려있어야 한다는 편견을 깨보고 싶어요." 무술가 이소룡의 '물이 되어라, 친구여(Be water, my friend)'라는 말을 좋아한다. 물처럼 어떤 형태나 구속에서 벗어나라는 의미를 작업에 더욱 충실히 새기고 싶다고 한다. "앞으로 작업을 어떻게 하겠다는 포부는 생략하고 싶어요. 단편적인 작품을 엮어 미있는 이야기를 만들어가는 것은 기획자의 몫이고, 저는 그저 감각적으로 일상의 풍경들을 그려낼 계획입니다. 물처럼 그저 자유롭게 감각의 강을 흘러가고 싶어요."

행복했던 기억들이 선사하는 치유의 메시지

이국적인 풍경을 배경으로 떠들썩한 분위기를 그려낸 캔버스엔 즐거움이 몽글몽글 피어오른다. 밤하늘을 붉게 수놓은 불꽃놀이, 롤러코스터에서 들리는 듯한 아찔하고 즐거운 탄성, 동심을 자극하는 대관람차, 무엇보다 놀이공원 곳곳을 가득메운 수많은 인파들은 '코로나19' 이전 일상의 아득한 그리움을 불러일으킨다. 좋은 미술작품은 좋은감정을 느낄 때 나오는 호르몬인 도파민의 분비량을 증가시킨다는 연구 결과가 있다. 코로나19로 답답한 일상 속에서 도파민의 분비를 활성화 시키는데 정승원(38)작가의 실크스크린 만큼 적당한 작품도 없을 것 같다. ●살아남기: 행복했던 여행, 작업의 시작 판화의 한 종류인 실크스크린이 정 작가의 주작업이었지만, 사실 그의 전공은 시각디자인이다. 대학에서 시각디자인을 공부한 후 출판사의 디자인팀에서 근무하던 중 독일 유학을 결심했다. 배움을 향한 갈증이 때문이었다. 독일 베를린의 예술학교에 입학해 '통합디자인'이라는 학문을 9년이 넘도록 공부했지만 정작 그가 실크스크린이라는 작업의 길을 걷게된 것은 행복했던 여행에서 비롯됐다. "유학시절 당시 친하게 지냈던 친구커플이 있었어요. 수년간 동고동락을 하며 지내다, 친구커플이 먼저 귀국을 하게되자 추억을 남기기 위해 스톡홀름 여행을 계획했죠. 여행 중 즐거웠던 에피소드가 많았어요. 추억으로만 간직하기엔 아깝다는 생각이 들어 서로 여행에 대한 그림을 그려서 선물하기로 했죠. 그게 시작이었어요." 행복했던 순간순간을 짜집기 하듯 캔버스에 옮기고 실크스크린으로 찍어낸 작업의 결과는 기대 이상이었다. 이후 10여년간의 독일 유학생활의 장면장면을 실크스크린으로 옮기기 시작했다. 매년 11월 베를린에서 열리는 크리마스 마켓의 풍경, 단골 유기농빵집과 독일 전통식당, 인적 드문 숲에 비밀스럽게 숨어있었던 강 등 유학시절의 일상을 캔버스에 담아냈다. ●작업하기: 실험적인 재료로 독창적 판화 연출 "완성된 작품들로 베를린에서 첫 개인전을 열었어요. 전시회에 온 이들이 한결같이 삶에 대한 용기와 희망을 얻었다는 말을 듣고 이 작업을 계속 해야겠다고 마음먹었죠. 제 작품을 보는 이들이 치유받는 모습이 좋았어요." 유학시절부터 '치유가 되는 그림'을 목표로 변함없는 작업을 이어오고 있지만 소재에 있어서는 다양한 실험을 시도중이다. 유화물감을 비롯해 야광물감, 발포물감 등 그의 판화에서는 흔하지 않은 재료들을 접할 수 있다는 것이 묘미다. "독일 유학중에 인상적이었던것은 독일 작가들은 재료에 대해 겁을 내지 않아요. 특히 실크스크린은 다른 미술장르에 비해 재료에 대한 다양한 시도가 가능하다는 장점이 있죠. 어떤 작가들은 밀가루풀로 판화를 찍기도 하고요, 심지어 초콜릿으로 판화를 찍기도 해요. 재료에 대한 연구가 언제부턴가 저도 즐겁더라고요." 베를린의 크리스마스 마켓을 주제로 한 작업에서는 야광물감을 사용해 낮과 밤의 이색적인 분위기를 연출했고, 겨울캠핑 작품에서는 발포물감을 사용해 눈의 질감을 표현, 판화에서는 기대할 수 없는 입체감을 선보였다. ●살아가기: 다양한 장르 통해 주제 표현 최근에는 목판화에 매료돼 있다. 실크스크린에서 염료에 대한 매력을 느꼈다면, 목판화에서는 나무, 칼 이라는 재료와 도구가 주는 색다른 느낌이 좋았단다. "실크스크린으로 목판화 특유의 느낌을 살려보려고 노력했는데, 안되더라고요. 흔히 목판화의 묘미로 '칼성' 혹은 '칼맛'을 이야기해요. 전통적인 분위기를 살려야 할때 '칼성'만한 것이 없어요. 최근 울산에서 목판화 페스티벌에 운영진으로 참여했는데, 그때 처음으로 목판화로 모빌을 만들었어요." 행복, 치유에 대한 주제는 앞으로도 지속적으로 선보일 예정이다. 다만 행복이 몽글몽글 묻어나는 그의 작품은 판화 뿐 아니라 미디어아트, 설치 작품 등으로도 만나볼 수 있을 듯 하다. "지금 가장 관심 있는 것은 판화와 영상입니다. 올해 초 미디어아트 그룹에 가입했어요. 미디어아티스트들이 기획한 전시에 작품을 출품할 예정인데, 먼저 오는 10월 저의 대표작인 '크리스마스 마켓'을 영상으로 만드는 작업을 선보일 예정입니다."

소소한 일상에서 끄집어 낸 특별한 역사들

시간을 가두는데 사진만큼 근사한 수단이 또 있을까. 사진에는 피사체만 볼 수 있는게 아니다. 순간의 분위기와 날씨, 감정, 찍는 사람의 의도까지 모두 담을 수 있다는 점에서 사진은 기록의 수단이자 역사의 증인, 감정의 언어다. 이세현(37) 작가 역시 사진 속에 순간의 감정과 역사, 그리고 인연을 담고있다. ●살아남기: 인간다움을 배우다 "친구에게 물었어요. 아주 어렸을때 소풍가서 찍은 사진을 기억하냐고요. 그리고나서 내가 간직하고 있는 그 사진을 보여줬어요. 사진 속에는 그 친구와 저 밖에 없었는데, 사진이 찍힌 순간에 관한 기억들이 이사람 저사람 입을 통해 계속 흘러 나오는거에요. 사진 한장이 가지는 위력을 실감했어요." 사진의 의미를 되새길때 늘 떠올리는 경험이다. 사실 이 작가가 대입에서 사진학과를 선택하게 된 것은 수능을 완벽하게 망쳤기 때문이다. 펑펑 울며 시험장에서 나오고있는 아들에게 그의 어머니는 "사진학과를 가보는것이 어떻겠냐"고 제안했다. 대학에서는 공부가 아닌 다른 무언가를 해보고 싶었던 이 작가는 어머니의 제안을 받아들였지만 사진이 무엇인지, 어떤 작업을 해야 하는지에 대한 철학은 없었단다. "좋은 은사님을 만났던 것이 인생의 한 수 였죠. 당시 저희 대학에서 최광호 사진작가가 2년간 강의를 해주셨어요. 우연한 계기로 3,4학년 대상의 '예술사진학'을 신입생때부터 들을 수 있었어요. 사진이 무엇인지도 알려주셨지만, 방학때마다 교수님과 해안선 여행을 하면서 '사진의 맛'을 제대로 경험할 수 있었죠." 2011년부터 최근까지 진행하고 있는 '순환'프로젝트는 이 작가가 은사로부터 배운 작업철학을 실천한 단적인 예다. 작가의 작업에 대한 관람객의 관심이 사회로 환원되는 과정을 보여주는 이 프로젝트는 전시장에 설치된 이 작가의 작품을 관람자가 구입한 후, 작품을 떼어낸 자리를 관람자가 현장에서 그린 작품으로 채우는 형식이다. 관람자의 작품 구입비는 전시가 끝난 후 쌀이나 생필품 등으로 교환된 후 사회복지시설에 기증된다. ●작업하기: 피사체에 역사를 되새기다 이 작가는 '돌'을 소재로 작업한다. 이 작가의 작업 중 '돌'을 소재로 한 '바운더리(boundary)' 작업은 10%에 불과하지만, 유독 '이세현 작가=돌'이라는 공식을 떠올리는 이유는, 작품이 주는 강렬함 때문일 것이다. 국내외 역사적 장소의 공중에서 파편과 함께 흩어지는 돌은 무생물임에도 불구하고 퇴색된 공간에 생동감을 부여한다. "어떤 공간을 기억할때 우리는 그곳에서 일어났던 역사를 떠올려요. 그 순간만을 기억하는거죠. 그런데 역사가 발생하기 전에도 그 장소는 있었고, 앞으로도 계속 있겠죠. 그 장소를 묵묵히 바라보고 있는 존재는 돌 밖에 없더라고요." 역사의 증인으로 돌을 소재 삼았지만, 거기에는 더욱 심오한 의미가 담겨져 있다. 시간에 의해 단단했던 돌이 자갈이 되고 모래가 된 후 진흙이 되고, 그 진흙이 뭉쳐져서 다시 돌이 되는 '순환'이 바로 그것이다. "역사가 있는 공간도 시간에 따라 변할 수 밖에 없어요. 돌도 시간에 따라 자갈이되고 모래가 되고 진흙이 되지만 결국에는 다시 돌이 되죠. 역사적 장소 역시 시간에 따라 모습을 달리할 수 있지만, 마지막에는 그 역사적 의미를 지켜낼 수 있어야 한다고 생각해요. 제가 던진 돌을 통해 관객이 그 역사적 장소의 진정한 의미를 되새길 수 있었으면 하는 바람입니다." 1980년 5월의 아픔을 간직하고 있는 국군통합병원을 비롯해 옛 전남도청, 노근리, 마레2터널, 고성 등 비극의 장소에서 이 작가는 여전히 돌을 던지고 그 돌의 파편을 카메라에 담아내고 있다. ●살아가기: 일상에서 사회를 발견하다 이 작가가 특별히 애착을 갖는 작업은 '에피소드(episode)'다. 토막잠 자는 청년들의 뒷모습, 수풀에 무심히 던져진 서양 작곡가들의 초상화, 버려진 예수 그리스도의 그림, 쌓인 사료포대 앞을 배회하는 비쩍마른 닭 등의 일상이 작품이 됐다. 흔한 일상 속에서 모순으로 점철된 사회의 단면을 볼 수 있는 점이 '에피소드'의 특징이다. "누군가를 생각하는 것, 사소한 일상에 내가 어떻게 접근하느냐에 따라 사소한 일상이 철학이 되고 정치가 되고 사회문제가 되더라고요. 사소하지만 결코 가볍지 않은 일상들, 어렵게 생각되어지는 역사 정치 철학은 당신이 겪는 일상 안에 있다는 것을 보여주고 싶어요. " 코로나19를 겪으면서 유독 '연대'란 무엇인가에 대해 고민하고 있다. 위기 속에서 가장 절실한 것은 '연대'라는 말에 그 역시 공감한다. "일상을 기록하는 작업을 하다 보니 '연대란 일상'이더라고요. 한명 이상이 만나서 공통된 분모로 이야기 하는 것, 그로인해 맺어진 인연이 연대에요. 예전에는 특정한 사건에 의해 연대가 생겨났다면, 지금은 사소한 일상을 나누는 지점에서 연대가 이루어지고 있어요. 당신과 나는 2020년을 함께 숨쉬고 살아가고 있다는 점에서 우린 연대를 이루고 있습니다."

치밀함으로 녹여낸 인간 근원적인 불안과 고립

최고 명성의 예술가들이 하나같이 던지는 말이 있다. "예술에 우연이란 없다"고. 예술분야에 완벽주의자가 유독 많은 이유다. 미켈란젤로가 3대 걸작 중 하나인 모세상을 완성한 후 "어찌 아무말이 없으십니까"라고 울며 탄식했던 일화는 이미 유명하다. 돌로 실제 삶을 창조할 수 있다고 믿고 완벽을 추구한 그에게 모세상이 말할 수 없다는 사실이 유감이었던 까닭이다. 5만점의 작품을 남긴 피카소는 "예술가에게 끝이란 없다. 예술가가 작업을 마쳤다는 것은 다만 이제 또다시 시작해야 한다는 것을 의미할 따름이다"라며 예술가가 지녀야 할 덕목으로 '완벽성'을 이야기 하기도 했다. 그래도 예술가의 완벽성이 무엇인지 궁금하다면 윤준영(35)작가의 작업이 그 답을 제시할 수 있다. ●살아남기: 한치의 오차도 허용하지 않는다 미술을 본격적으로 시작했던 예술고등학교 시절부터 20여년이 지난 지금까지 윤 작가의 작업은 이렇다 할만한 변화를 겪지 않았다. "예고 입시에서부터 현재까지 스타일에 변화를 주지 않았어요. 다만 완성도를 높이려고 노력중입니다. 완성도 높은 작업이 때론 비평가로부터 혹독한 평가를 받기도 해요. 회화적인 느낌이 떨어지고 무뚝뚝하다는 거지요." 주제를 제외한 다른 부분에서는 좀 더 편하게 작업해도 될 듯 하나, 윤 작가는 소소한 부분까지도 결코 내버려두질 못한다. 수십년간 수도없이 노력했지만 작은부분까지도 챙겨야 하는 섬세함은 결국 고질병이 됐다. "고칠 수 없다는 것을 알고 '고쳐야겠다'는 생각을 과감히 버렸어요. 섬세한 표현을 저의 장점이라고 생각하자 작업에도 자신이 생겼어요. '작업에 우연의 결과는 없다'는 말이 있잖아요. 모든 작업엔 계획이 있고, 그 계획을 실행하는데 있어 제가 가진 섬세함은 무기가 될 수 있다고 생각했습니다." 자유의 또 다른 얼굴은 통제다. 자유가 주어진 만큼 스스로를 통제해야 해야하는 아이러니가 그에겐 일상이 됐다. 작품 구상에서부터 완성까지 한치의 오차도 발생하지 않은데는 엄격한 상사 밑에서 근무하는 직장인과 다름없는 하루를 살고있기 때문이다. "예술가의 일상에는 자유가 있어요. 그 자유를 제대로 통제하지 못하면 많은 시간을 버릴 수 밖에 없어요. 스스로 흐트러지는 부분이 많기도 하고요. 누가 시켜서 하는것이 아니기 때문에 스스로를 엄격하게 통제해야 해요. 저 역시 1년에 방학 두번을 제외하곤 직장인과 다름없는 일상을 보내요. 아침 9시에 일어나서 아침겸 점심을 먹고 1시에는 무조건 작업실에 도착합니다. 그리고 10시에 퇴근을 하지요. 작업을 하든 하지않든, 출퇴근 시간은 무조건 지키고 있어요." ●작업하기: 사회·삶 속의 '불안함'을 그려넣다 끝 모를 우주와 같은 어둠 속에 부유하듯 떠 있는 섬, 검은 물결로 굽이치는 적막한 바다, 근원 혹은 회귀에 대한 갈망을 반영한 미로 속의 집 등 윤 작가의 작업에는 소외와 불안, 갈등, 단절 등 사회를 살아가는 현대인이 흔하게 겪는 외로운 감정들이 드러나있다. 네명의 동생들과 복닥거리며 유년시절을 보내온 덕에 외로움이나 고립, 불안 등을 맛 볼 틈이 없었단다. 대학에 입학하면서 삶에 대한 진지한 성찰이 이루어졌고, 사회구성원들이 갖는 감정들에 공감할 수 있었다. "대학생이 되면서 사회구성원으로서 나를 마주하게 됐어요. 나는 어떤사람인지, 예술가로서 나는 어떤 역할을 할 수 있을 지 등에 대해 고민했죠. 사회 구성원이라면 누구도 부정적인 감정들에서 자유롭지 않죠. 불안, 소외, 두려움은 누구나 느낄 수 있는 감정들이니까요." 사회구성원으로서 마주한 자신을 바탕으로 본격적인 작업을 시작했다. 한국화를 전공하면서 전통 채색화를 배경으로 작업했는데, 어느순간 강한 색들이 작품에 집중도를 떨어뜨리고 있다는 것을 알게됐다. 관람객이 자신의 작품을 통해, 온전히 현대인의 고립감과 불안함을 마주할 수 있기를 바라는 마음에서 과감하게 색을 포기했다. 윤 작가 특유의 섬세함으로 도시와 자연을 견고하게 쌓아올리면서 지금의 작품이 완성됐다. "단단하고 견고한, 독립적인 건축물들은 그 안을 살아가는 사회 구성원들에게 거리감을 주고 있어요. 개인화 된 채 점점 고립된 섬과 같이 변하도록 야기하는 근본적인 원인인 셈이죠. 내 작업에서 도시는 단순히 우리가 살아가는 삶의 공간이 아닌 갈등과 대립으로 점철된 공간이라고 할 수 있습니다." ● 살아가기: 코로나? 그래도 작업은 계속된다 올해는 힘 빠지는 날이 이어지고 있단다. 숙련된 섬세함과 열정 덕에 100호 크기의 작품도 한달이면 완성할 자신이 있는데, 막상 전시를 할 수 없다고 생각하니 어떤 의욕도 생기지 않는다고 했다. "음악, 공연예술, 책은 대면하지 않고도 즐길 수 있는데, 미술은 그렇지 않더라고요. 코로나19로 시각예술은 위기를 맞고있는거죠. 저의 고민이 당장 세상을 바꿀 수 있는건 아니니, 일단 저의 작업은 '그럼에도 불구하고' 지속적으로 이어나갈 계획입니다. 더 의욕적으로요." 윤 작가의 이야기를 가장 잘 풀어줄 수 있는 장르는 평면회화이지만, 코로나에 맞서 새로운 장르에도 도전해 볼 계획이다. 장르가 다양하면 관람객이 받을 수 있는 자극 또한 다양해 질 수 있을 것이란 기대에서다. "설치를 겸해볼까 합니다. 평면 회화 속에 등장한 구조물들을 현실로 옮겨오는 작업을 시도중이에요. 내 작품 하나가 사회를 바꿀 수 있는 힘은 없지만, 작품을 보는 현대인들이 공감과 위로를 받을 수 있다면 그것만으로도 만족합니다. 코로나19가 어떻든, 내년 개인전을 목표로 저의 이야기를 흔들림없이 이어나갈 계획이에요."

(65) 노란색과 시대

색채와 종교 노랑은 사랑과 성실 그리고 지혜를 상징하며, 이 색은 빛의 색이기 때문에 기독교뿐만 아니라 많은 종교에서 신의 존재를 상징하는 색으로 여겼다. 황금빛은 왕권과 영광을 상징한다. 금빛인 노랑은 태양신을 상징하며, 신의 힘과 선을 나타내는 색으로써 종교화에서도 그렇게 사용되었다. 성자의 후광은 영원한 생명을 나타내기 위해 금빛으로 칠해진다. 반면에 흐릿한 노란색은 유다(Judas)의 그림에서처럼 배신을 상징한다. 로마 가톨릭교회(Roman Catholic Church, 천주교 : 天主敎, 사도들의 으뜸인 성 베드로(St. Petrus)를 유일한 계승자로 받드는 기독교의 교파)의 교리에 의하면, 노란 문장이나 황금색 문장은 명예와 충성심을 나타낸다. 금과 은은 바티칸 색이었으며, 가톨릭교회를 가리키는 표지판에는 하얀 바탕에 노랑으로 교회가 그려져 있다. 가톨릭교회의 행사 일에 게양되는 깃발은 '노랑과 하양'이지만 '금색과 은색'이라고 부른다. 교황은 가톨릭교회를 위해 특별한 공을 세운 여인에게 '황금 장미' 상을 수여하는데, 이 상에는 진짜 금에 다이아몬드가 박혀 있다. 16세기 악명 높은 종교재판이 열리던 스페인에서는 가톨릭교회에 무조건 복종하지 않은 사람들은 모두 이단자로 지목했다. 이들은 종교재판정 앞에 나갈 때 칙칙한 노란 망토를 입어야 했다. 프라이어 브라운(Friar Brown)이라는 이 색은 수도승(修道僧, 불도를 닦는 승려를 말함)이나 탁발승(托鉢僧, 경문을 외면서 집집마다 다니며 보시를 받는 승려를 말한다. 탁발승의 승복은 흑갈색이 많음)의 승복을 이미지 시킨 아주 어두운 노랑을 말한다. "이탈리아 중부 움브리아(Umbria) 주(州)에 있는 아시시(Assisi)의 프란체스코회(Franciscan Order, 프란체스코 성인이 1209년에 창립한 탁발 수도회이다. 이 회는 성직자의 청빈을 주장하고, 각지를 돌며 예수의 가르침(설교)을 전하는 수도회)에 소속된 가톨릭 신부의 옷 색상은 땅의 색 또는 다갈색이다." 기독교의 상징체계에서 금은 성스러운 의미를 갖지 않지만 신성함을 나타내는 징표이며, 하늘의 별을 숭배하는 종교에서 태양은 최고의 신성을 의미하고, 태양의 신은 언제나 남성이다. 노랑은 정치적인 의미에서 배반의 색이다. 예수를 배반한 유다의 옷은 대개 칙칙한 노랑으로 그려져 있으며, 유태인을 구별하는 색으로 여겨왔다. '금송아지'는 거짓 신을 믿도록 현혹시키는 성경의 상징이며, 모세는 신 바알(Baal)을 가리키는 송아지를 부수고 금도 없애버렸다. 그는 그들이 만든 송아지를 끌어다가 불에 태우고 빻아서 가루로 만들어 물에 타 이스라엘 백성에게 마시게 하였다(출애굽기 32장 20절에 언급됨). 노랑은 구약성서 시편 23편 '푸른 목초지(green pastures)'에서 비겁한 또는 배신을 대표하는 색이다. 이슬람 세계에서는 황금빛 노란색이 지혜를 상징한다. 석가(釋迦)의 색은 힌두교와 비슷한 노랑 또는 황금색이고, 브라만교(바라문婆羅門 교는 인도의 토착민인 드라비다족(族)에 의해서 성립된 종교이고, 힌두교의 모체)의 교도들은 노랑을 신성한 색이라고 여겼다. 달라이 라마로 대표되는 티베트 승려의 옷은 샛 노랑과 사프란꽃의 색이다. 노랑은 부활절을 나타낸다. 회교에서는 빨강, 하양, 파랑, 노랑의 따뜻한 색상과 높은 명도 그리고 강한 채도를 좋아하는 경향이 있다. 색채와 유아, 아동 사람이 태어난 뒤 처음으로 반응하는 색은 노랑이다. 최초로 눈을 뜨고 빛을 느낄 때 여러 색 중에서 노랑에 특히 민감한 반응을 나타낸다. 노란빛은 인간을 상냥하고, 활달한 기분으로 만들어 주는 작용을 한다. 노랑은 밝고 빛나는 색으로 지능을 상징하는 반면, 아이들의 색으로 느껴져 보호 본능을 일으키는 의존적인 이미지이다. 갓난아이는 노랑에 대한 반응이 빠르지만 성장하면서 빨강과 파랑을 좋아하게 된다. 영국 심리학자인 발레타인(Valentine, Charles Wilfred, 1879년!~1964년)은 그의 저서인 어린이를 위한 지능 검사(Intelligence Tests for Children, 1848.)에서 생후 3개월 된 아기들에게 여러 가지 색으로 착색된 실타래를 2개씩 동시에 보여주고, 각각의 실타래에 눈길이 머무는 시간을 측정하였다. "아기들은 노랑을 가장 오랫동안 쳐다보았고, 그다음의 색으로는 하양, 핑크색, 빨강의 순서로 나타났다. 아기들은 생후 6개월이 지나면 원색(原色, 빨강, 노랑, 녹색, 파랑, 보라를 말함)을 구별할 수 있다."

찰나의 순간에 담은 생의 대서사

키클롭스 신화에는 자신의 존재를 알리고 싶어 객기를 부리다가 불행을 자초한 오디세우스의 이야기가 나온다. 트로이 전쟁을 끝내고 귀향길에 오른 오디세우스는 외눈박이 거인족 키클롭스가 모여사는 섬에 도착한다. 오디세우스는 부하들의 만류에도 불구하고 폴리페모스가 살고있는 동굴을 찾아갔다. 난공불락 트로이가 누구덕에 함락됐는지 아느냐고, 자신을 목청껏 알린 오디세우스의 공명심은 부하들이 산채로 폴리페모스에게 잡아먹히는 비극을 가져왔다. 열두명의 부하를 차례로 잃고나서야 오디세우스는 정신을 차렸다. 괴물앞에 바짝 엎드려, 자신은 오디세우스가 아닌 '우티스(nobody)'라고 소개한다. 그리고 최고의 포도주로 폴리페모스를 잠재운 뒤 괴물의 눈을 찌르고 도망쳤다. 폴리페모스의 절규를 듣고 동료 키클롭스들이 찾아와 묻는다 '누가 너에게 이런 몹쓸 짓을 했느냐'고. 폴리페모스는 '우티스'라고 대답했는데, 동료들은 '아무것도 아니다'라는 의미로 알아듣고 그냥 돌아갔다. 오디세우스가 키클롭스들로부터 목숨을 구할 수 있었던 것은 전쟁영웅이라는 그의 정체성을 내려놓았기 때문이다. 타지에서의 삶은 '겸허'를 가르침으로써 이방인을 성장시킨다. 대구출신 이다겸(41)작가의 작업의 원천은 '이주'에서 비롯됐다. ●살아남기: 이주, 배움의 시작 "서울에서 대학을 졸업한 이후 독일 쾰른에서 8년을 머물렀어요. 대구에서 나고 자랐지만, 대학생활은 서울에서, 또 생의 1/3을 독일에서 보낸 탓에 특별히 '어느지역 출신'이라는 표현이 어색해요. 독일에서 생활하면서 '떠남, 이주, 여행'의 필요성을 깨닫게 됐죠. 저는 지금까지 여러지역에서 레지던시에 참여해 왔는데, 그 시작이 바로 독일이었습니다." 첫 레지던시는 제2차 세계대전 당시 나치가 집시, 장애인을 학살했던 장소였다. 예술공간으로 바뀐 비극의 장소엔 이 작가를 비롯해 중국, 일본, 프랑스, 독일 출신의 작가와 큐레이터들이 모여들었다. "굉장히 불편한 공간이었고, 한달동안 타국의 작가, 큐레이터들과 생활했었는데, 단 한번도 마찰이 발생하지 않았어요. 그들 중에는 지긋한 연세의 교수도 포함돼 있었는데 교수와 학생이 아닌 예술가라는 동등한 입장에서 각자의 작업에 대해 이야기를 나누곤 했죠. 가장 인상적인 배움은 상대에 대한 배려과 존중이었습니다. 재능있는 예술인이기 전에 배려와 존중을 아는 인격체가 돼야겠다고 생각했죠." 이 작가에게 타지에서의 낯섦은 예술적 영감의 원천이었다. 8년간의 독일 생활을 마치고 귀국하자 마자 가장 먼저 했던 일은 국내 레지던시를 알아보는 것이었다. 대구 가창창작소를 거쳐, 중국 항저우에서의 단기연수, 경북 영천 창작소, 광주 호랑가시나무창작소에서의 레지던시까지 이주의 역사가 나이테처럼 쌓여갔다. ● 작업하기: 선 속에 담긴 '우리 이야기' "어릴때부터 이야기를 만드는 것에 대해 관심이 많았어요. 욕구가 강했죠. 회화를 전공했지만 그림보다는 사진, 영상작업을 더 많이 했어요. 이야기를 담는데 더 사실적이라고 생각했기 때문이었던 것 같아요." 서양화 전공이라 미디어 아트엔 다소 서툴렀지만, 졸업작품으로 만든 애니메이션이 영화제 공모에서 당선이 되기도 했다. 졸업 후 독일에서 미디어아트를 본격적으로 배우고 그 안에 무수히 많은 삶의 이야기들을 담아볼 계획이었다. 막상 독일에서 접한 미디어아트는 이 작가의 작업과는 괴리가 깊었다. 방황이 시작됐다. "하루는 구글에 내 이름을 쳐봤어요. 의외로 미술작가 중에 '이다겸'이라는 이름을 가진 작가가 많더라고요. 뉴욕의 미디어아티스트, 영국의 일러스트, 그리고 나. 내 이름 하나하나에 다양한 인생이 담겨져 있는게 신선했어요. 이것을 소재로 작업을 해야겠다고 생각했어요. 욕심처럼 안고있는 미디어아트보다는, 내가 가장 잘 할 수 있는 장르로 작업을 시작하게 됐어요." 연필을 쥐고 드로잉을 시작했다. 실루엣을 그린 다음 인터넷에 작업주제를 검색한 뒤 검색된 정보를 실루엣 위에 씌우는 작업이 이 작가 작품의 시초가 됐다. 무수히 많은 정보를 담은 텍스트들이 중첩되면서 하나의 선이 완성됐다. 인물에 관한 정보에서 시작된 작업은 풍경화로 발전됐다. 친구들의 아뜰리에, 파리 번화가의 한 장면 등의 풍경이 이 작가만의 선을 통해 완성됐다. 찰나의 순간이 담긴 풍경이지만, 풍경을 만들어 낸 선 안에는 그 장소와 관련된 무수한 역사와 이야기들이 담겨있었다. "모든 작업에 글쓰기 라는 의미를 부여해요. 책은 한권을 다 읽어야 이야기를 알 수 있지만, 제 작업은 한장의 이미지 안에 책 한권이 들어가 있는 것이죠. 장소와 인물에 관한 정보로 완성된 작품이지만, 그 이상의 것을 담아내고 있기도 해요. 마치 수행과도 같은 작가의 작업방식이죠. 문장처럼 주어, 목적어, 동사의 구조를 갖추고 있지 않아도, 한컷의 이미지가 순간의 감동을 주는 이유는 작가가 수행하는 시간을 한번에 볼 수 있기 때문이죠." ●살아가기: 화면에 옮겨진 도시의 이야기 최근에는 도시 속 지극히 사소한 장면에 주목하고 있다. 익선동 골목가 주택앞에 널브러진 화분, 광화문 광장앞에 소담스레 피어있는 꽃, 중국 단기연수 중에 들른 서호의 꽃밭 등이다. 지난 5월 광주 남구 호랑가시창작소에서 레지던시를 시작하면서 호랑가시나무 언덕에 피어있는 꽃들에도 주목하고 있다. "최근들어 '꽃'그림을 그리면서 '예쁜 그림만 그리려는게 아니냐'라는 오해를 받곤해요. 예쁜 그림이 아니라 도시에서 찾아낸 작은 풍경을 담는작업이거든요. 그렇지 않다는 것을 지속적인 꽃 작업을 통해 보여줄 계획입니다." 지난 5월 이 작가가 광주에서 처음으로 레지던시를 시작했을때 호랑가시나무 언덕에는 장미가 만발했다. 6월에는 능소화가 피었고, 7월에는 백합이 한창이다. 꽃의 생의 주기를 광주와서 처음 들여다볼 수 있었다. 옛 선교사들의 온기를 품고있는 양림동과 그 안에서 작은 공동체를 만들며 살아가는 양림동 작가들을 이 작가는 어떻게 작품으로 기록하게 될까.